juan freire

España y la cultura "Wallpaper*" subvencionada

El debate sobre la necesidad de la acción política para promover "la cultura" y el papel de las subvenciones está bastante vivo en España, En los últimos tiempos es frecuente escuchar a políticos "subvencionadores" y agentes culturales "subvencionados" defender este tipo de políticas por el efecto económico multiplicador que presentan (y a otros agentes, culturales o no, pedir un redireccionamiento de los fondos públicos hacia sus sectores). No es extraño que el debate resurja con fuerza con cada cambio de gobierno y con la publicación periódica de indicadores de todo tipo que no dejan en muy buen lugar la eficacia de la mayoría de acciones.

Convendría ir un poco más allá y preguntarse a quién benefician estas políticas. Sobre todo por que una segunda línea de defensa justifica las subvenciones como una forma de asegurar que exista una producción cultural que pueda llegar a la mayor parte de la población y no solo a las elites, normalmente identificadas con los sectores más privilegiados por su capacidad económica. Por supuesto los productos culturales son enormemente diversos y se destinan a públicos de todo tipo; de hecho buena parte de este debate se genera alrededor del cine y posiblemente sea éste uno de los sectores culturales más populares. Pero las mismas políticas se aplican en muchas ciudades españolas para producciones culturales más elitistas y por tanto minoritarias. Palacios de la Opera, Teatros o Ballets Nacionales, Museos de Arte Contemporáneo, ... justifican su existencia con visitas que en buena medida realizan las elites locales y los turistas.

No pretendo aquí discutir si las subvenciones son o no necesarias o apropiadas ni si su oportunidad debe relacionarse con la cantidad de público. Pero si debería al menos tenerse en cuenta el perfil de usuario para evitar perversidades políticamente correctas como las que creo suceden en muchas de nuestras ciudades medias y pequeñas. ¿Quiénes forman parte de esas elites locales?

No existe ciudad en España, casi independientemente de su tamaño, que no desee parecerse a las ciudades globales que, como explica Saskia Sassen, son las grandes megalópolis como Nueva York, Tokio o Londres donde habita una clase alta global cosmopolita y nómada. Estos son los públicos, además de los turistas, que permiten en esas ciudades ciertas producciones y ofertas culturales. Por supuesto, son los grandes consumidores de productos de lujo, entre los que podríamos incluir una parte de la cultura que también consumen ávidamente; podríamos definirlos como la "clase Wallpaper*" por la revista que mejor explica sus exquisitos intereses y gustos que van desde la moda o el diseño a la arquitectura, la ópera o diferentes manifestaciones artísticas.

Es discutible si Madrid o Barcelona pertenecen a este selecto grupo de ciudades globales, mucho más si Valencia, Sevilla, Zaragoza o Bilbao pueden de algún modo incorporarse al vagón de cola de las urbes globales. O más bien, es discutible si las genuinas "clases Wallpaper*" españolas alcanzan la masa crítica necesaria para el mantenimiento de una "cultura de lujo" (que no de una cultura del lujo, algo que si está demostrado).

Pero si es seguro que en el resto de ciudades españolas, las ciudades intemedias, no existen, o son muy reducidas, estas clases altas verdaderamente globales. Esta elite es sustituida por una parte de las "clases altas" y "medias-altas" que tratan de vivir también, a su modo, una "cultura Wallpaper*" local basada en el consumo de productos culturales financiados por las instituciones públicas y para-públicas de todo tipo (como muchas fundaciones o cajas de ahorros). Los gestores culturales, trabajando bajo esas directrices políticas, prefieren adquirir productos de consumo cultural que les den una aparente legitimidad global, aunque estén totalmente desconectados de los intereses de sus vecinos y de la mayor parte de públicos potenciales, que trabajar en producciones más discretas y humildes pero con un verdadero potencial transformador en lo local, tanto cualitativa como cuantitativamente.

El acceso a la cultura es en estos casos un argumento falaz que esconde otros objetivos y donde se dan la mano los intereses políticos y los de esas pseudo-elites locales privilegiadas. Mientras, el debate continua alrededor de las "culturas nacionales", las descargas, la piratería y otras formas de desviar lo atención de lo realmente importante y de la incapacidad de gobernar en beneficio de la mayoría.

De la superficie a la interfaz: de la superficialidad a la complejidad

Cuando las fronteras, las superficies, se transforman en interfaces, se hacen más complejas evolucionando hacia sistemas de procesamiento de relaciones (comunicación) y de información. Tratar de comprender esos nuevos espacios para la interacción social y la creación de conocimiento, las antiguas superficies, ha dejado de ser algo superficial. Ahora solo se puede profundizar en la comprensión de una organización si la analizamos como una o múltiples interfaces. Del mismo modo el diseño de una organización se convierte en gran medida en el diseño de interfaces. En este sentido, me han parecido especialmente sugerentes estos dos comentarios sobre “superficies”, visibilidad y superficialidad:

En una entrevista a Rafael Sanchez Ferlosio en El Pais, Ferlosio contra la historia universal:

… describir los dos rasgos principales de su escritura: "La frase larga y la superficialidad"…

A lo segundo, la superficialidad, le quita todo tinte peyorativo: "Siempre mantengo mi atención sobre la superficie de las cosas, sobre lo que salta a la vista". Y sobre lo que no. De hecho, Ferlosio se ha convertido en un gran cazador de estereotipos y frases recurrentes "que ocultan concepciones ideológicas fosilizadas".

Un post de José Luis Molinuevo, Room 666 (para fumadores), sobre el cine y la importancia de hacer realmente visible lo que solo es téoricamente visible (por encontrarse en la “superficie”).

… Por ello, me interesa más la frase de Godard citada al comienzo que otros volúmenes que hablan de todo menos de cine… Con todo, me voy a permitir contraponerla a otra suya en la que repite un tópico: el cine debe decir lo invisible, lo increíble. Casi es una variante de Klee: el arte debe hacer visible lo invisible. A comienzos del siglo XX era, tal vez, un reto, hoy día se ha convertido en la maldición de lo obvio. Sigamos viendo imágenes. Algo en la película nos hace reflexionar: el director turco Yilmaz Güney no puede dar su testimonio en persona, sólo grabado, al estar perseguido por la dictadura turca. Su foto queda pegada en esa televisión sobre la que se discute si va a acabar o no con el cine. Ahora es todo tan evidente que sólo hace falta la valentía de nombrarlo.

 

Mi reflexión final:

 

El arte de hacer visible lo invisible es actualmente el arte de hacer invisible lo visible. Por ello, la tarea del arte contemporáneo debería ser la de hacer visible lo visible.

"Cal viva, cal morta". Estreno en Santiago

La transformación (y en gran parte, desaparición) de la Galicia rural es un proceso complejo que no puede entenderse desde el romanticismo o la utopía. Se necesitan análisis objetivos que expliquen esta evolución cultural, social y económica desde múltiples puntos de vista y son aún más necesarias formas de comunicación que permitan salir fuera de los círculos expertos y generen interés y debate entre la población. Esto han intentado, y creo que logrado, el artista audiovisual Mariano Casas (canal en YouTube) y el antropólogo Duarte Fernández (con el que tenemos la fortuna de poder trabajar en Fismare) al documentar en una película un oficio tan poco conocido como el de los “caleiros”, los responsables de la industria de la caliza que floreció en la Mariña central y que ahora se encuentra en regresión y, posiblemente, próxima a su extinción por los cambios tecnológicos y culturales.

El próximo jueves 11 de septiembre a las 21 horas se estrena en Santiago su documental “Cal viva, cal morta, a derradeira festa”. La cita es en el Teatro Principal, tras su presentación en Mondoñedo y Ourense hace unos días. Esta es la presentación de los autores (noticia en el sitio de la Academia Galega do Audiovisual):

Esta peza documental, de 48 minutos de duración, é unha interesantísima ollada á vida dos derradeiros CALEIROS, sobreviventes ata hai pouco dun milenario oficio, que consistía en cocer pedra caliza durante días nunha enorme cheminea, obtendo así o cal.

Deste oficio, que supuxo unha incipiente industria da que vivíu moita xente na zona da Mariña Central, apenas quedan erguidas unha ducia de caleiras, algunhas delas en moi mal estado de conservación. Esta ruindade material é o primeiro síntoma da desaparición dunha cultura que viu no coñecemento dos usos tradicionais do cal, unha forma de subistencia e posterior desenvolvemento.

Os últimos caleiros, homes xa octoxenarios, fixeron  unha derradeira QUEIMA, para que o oficio que coñeceron en vida non morra con eles. Esa queima foi unha gran festa na que a xente de Masma (Mondoñedo) contou en primeira persoa o que fora esta dura e fermosa labor.

Esta noticia en La Voz de Galicia a raíz de su estreno en Mondoñedo proporciona más detalles sobre la historia de este oficio:

Mondoñedo dirá adiós el sábado, con la proyección de un documental (a las ocho de la tarde en la Casa da Xuventude), a un oficio ya en desuso desde la década de los setenta, y recuperado el pasado verano con una gran fiesta en la parroquia de Masma. Allí llegaron a funcionar doce hornos para la fabricación artesanal de cal viva que servía como mortero y revoque en la construcción, para desinfectar las cuadras del ganado y las aguas, y que en la agricultura se usaba como fertilizante para rebajar la acidez del suelo. El oficio de caleiro se transmitió durante generaciones y toneladas de cal fueron exportadas de este municipio lucense en carros hacia otras comarcas, e incluso en camiones hasta ciudades tan alejadas como A Coruña.

Además podéis ver un trailer en YouTube.

Neon Bible y Control: cuando la música y el cine llegan a Internet

La música y el cine ya son digitales, y no sólo por el soporte que utilizan. Son digitales por que en Internet desarrollan nuevas experiencias, algunas de ellas imposibles en el mundo analógico o en los canales undireccionales, sea un CD o una pantalla de cine o televisión. Hoy he descubierto dos excepcionales ejemplos. Dos videos muy diferentes pero al tiempo similares, en particular por su sobriedad, el uso del blanco y negro y el papel que juega la música en las historias.

El video de Arcade Fire para su tema Neon Bible es de una enrome, pero solo aparente, simplicidad rota de forma sorprendente por el juego que establece con el espectador cuando este interacciona con el personaje. (Vía Fabrica).

El trailer de la película Control es una experiencia digital mucho más clásica, pero igualmente interesante. Esta película, dirigida por el fotógrafo Anton Corbijn, narra los últimos siete años de vida de Ian Curtis, el líder del grupo Joy Division. Este cuarteto post-punk de Manchester se preparaba para iniciar su primera gira norteamericana cuando Curtis decidió suicidarse en 1980. The New York Times publica una crítica de la película que incluye una breve historia de Curtis. (Vía Speedbird).

 

Una comedia imposible: Woody Allen, Robert Rodríguez y ... Ruiz Gallardón en Generación Red

Empezamos Agosto en Generación Red hablando de cine … y política (sin ánimo de querer suplantar a Santiago Navajas). Nuestros políticos y dos directores internacionales han protagonizado en las últimas semanas una de las mejores comedias del año, La película del año: Woody Allen, Robert Rodríguez y los políticos españoles. El principal problema que me he encontrado al escribir este artículo ha sido tener que hacer públicas mis preferencias cinematográficas, lo cual probablemente me cause algún disgusto:

Lo siento, me sobran las últimas 100 ó 200 películas de Woody Allen. Hubo un tiempo en que me interesaban, cuando mis amigos cinéfilos (sic) estaban fascinados por las películas de serie B, pero hace mucho que sus argumentos me resultan totalmente irrelevantes y predecibles …

…debo aclarar que, paradojas de la vida, ahora que me rodeo de amigos encandilados por Woody Allen (¿dónde estarán aquellos viejos colegas capaces de engullir tres o cuatro películas de terror en una tarde?), es el cine de Quentin Tarantino o de Robert Rodríguez el que me resulta más sugerente estética, visual e intelectualmente. Que le vamos a hacer, siempre existe gente empeñada en ir contracorriente.

El papel, por una vez secundario, que juega el alcalde de Madrid en esta “película” lo explico en el artículo. Adelanto que, en mi opinión, contamos en España con una “clase política” digna de un Oscar. Quizás mejorasen nuestro cine y nuestra política si políticos y actores intercambiasen papeles … o acaso ¿no es lo que sucede ya?

Estimando la larga cola oculta: el negocio que pierde la distribución de películas

La larga cola proporciona un buen modelo conceptual para comprender como funcionan las dinámicas sociales y empresariales en un mundo cada vez más conectado (tal como discutí en Estrategia empresarial en un mundo paretiano (cuando los estrategas viven en un mundo gaussiano) y Burocracia gaussiana en un mundo paretiano). Hace unos días comentaba como la web 2.0 promueve la construcción de largas colas en el cine, tanto en lo que respecta a la creación como a la crítica. Pero la larga cola es algo más que un modelo conceptual, es un modelo estadístico que podría ser utilizado para estimar la importancia cuantitativa de la larga cola e, incluso, el potencial para el desarrollo futuro de un negocio o ámbito creativo en que las barreras actuales impiden la aparición de esa larga cola. Por ejemplo, las actividades que se basan, en todo o en parte, en procesos “físicos”, como la distribución de productos tangibles, presentan un cuello de botella en esta fase de la cadena de suministro. Pero, ¿qué pasaría si ese proceso se virtualizase?; al desaparecer esta barrera podría desarrollarse la larga cola generándose una nueva oportunidad creativa y de negocio.

Esto es precisamente lo que está sucediendo en el mundo del cine. El proceso de creación se está digitalizando (y por tanto abaratándose y acelerándose), pero la distribución de películas sigue, al menos en parte, anclada en canales tradicionales como son las salas de exhibición o  los videoclubs. En ambos casos, el número de películas que pueden exhibirse y ofertarse a los espectadores es limitado y, por tanto, se genera una escasez artificial en la oferta (artificial por que se producen un elevadísimo número de películas que nunca llegan a los espectadores). Pero, la televisión e Internet se están convirtiendo en canales cada vez más importantes en la distribución del cine (tanto mediante transacciones comerciales como en redes P2P) y las barreras físicas están desapareciendo (como parece obvio en el caso de Internet, pero también en el caso de la televisión por el aumento exponencial del número de canales y la irrupción de diferentes modelos de televisión en la red). ¿Cuáles pueden ser las consecuencias de este proceso en marcha?.

Kalevi Kilkki, investigador de Nokia Siemens Networks, publicó en Mayo de 2007 en First Monday (A practical model for analyzing long tails) una metodología estadística para estimar la “larga cola oculta” o potencial y la aplicó a diferentes tópicos como los libros, las frases de búsuqeda o el tamaño de las empresas. Chris Anderson comenta la aplicación de esta metodología al mundo del cine en How big would the movie industry be if there were more screens?. Este post enlaza con una research note de Kalevi Kilkki (en formato doc) donde proporciona más detalles de las largas colas de los mercados cinematográficos. Los datos de producción de películas muestran claramente como la distribución tradicional funciona como un cuello de botella que no limita la oferta (la producción). En otras palabras, existe un enorme número de obras que no llegan a distribuirse; en su mayor parte películas “de nicho” que no resultan rentables en los canales tradicionales pero que si podrían serlo con nuevos modelos de distribución. Los métodos de Kilkki permiten estimar la importancia cuantitativa de esta larga cola:

The American megaplex theater network has only has enough screens to show about 120 films per year. Meanwhile, there are about 13,000 films shown in film festivals each year. So only a tiny fraction of the movies made get enough theatrical distribution to register any sort of significant box office revenues.

How much bigger would the movie industry be if it didn't have this distribution bottleneck suppressing measured demand for niche film? I get that question all the time, for various markets, and usually I can only guess at the answer. But now Kalevi Kilkki, Principal Scientist at Nokia Siemens Networks, has actually done the math. Building on the work in his earlier paper on this subject, he finds that for movies, the "latent demand" for films that don't get adequate distribution is 60%-70% as big as the existing industry.

In other words, if we had a more efficient delivery system for theatrical films so the carrying capacity of the theatrical network were increased many-fold (using something like digital distribution and projection, which takes most of the cost out of distribution and adds ultimate flexibility over where the films run and how long), box office revenues could theoretically be 60-70% larger than they are today.

El método consiste, traduciendo los modelos matemáticos a palabras e imágenes, en modelizar la relación entre los ingresos por película y el rango de cada película (ordenada por sus ventas o espectadores). La primera parte de esta curva (“la corta cola”) sirve para estimar los parámetros del modelo estadístico que se extrapola a la parte derecha de la curva y se compara con los datos reales, en los que ha desaparecido esa larga cola. La diferencia entre ambas curvas constituye una estimación de ese potencial de distribución no realizado en los canales tradicionales. Por ejemplo, analizando datos para el año 2006 procedentes de los mercados domésticos de Estados Unidos y Alemania:

E

El documento de Kilkki proporciona datos para más años y países. Por supuesto, y como se observa en los gráficos, el tamaño total del mercado (potencial y real) es muy superior, casi un orden de magnitud, en EEUU. Pero lo realmente interesante, a parte de la propia metodología, es la estimación del tamaño abosulto de ese “mercado potencial” y el patrón que emerge al comparar datos entre países. Mientras en EEUU, la larga cola supone un 60–70% del mercado potencial cuando se analizan datos de 2002 a 2006, en diferentes países europeos (Francia, Alemania, Reino Unido, Japón o Rusia; en todos los casos sólo con datos de 2006), esta larga cola sería sólo del 23–30%. En ambos casos, la oportunidad de negocio es muy grande lo que parece sugerir que las redes P2P suponen una oportunidad para la industria cinematógrafica más que una amenaza. Las diferencias entre EEUU y “el resto del mundo” merecerían varias reflexiones y no todas relacionadas con cuestiones de estrategia empresarial. Por ejemplo, ¿cuál es el papel de las subvenciones y las medidas proteccionistas de las “cinematografícas nacionales”?.

Las "largas colas" del cine: móviles, blogs y la revolución de los amateurs

Mientras muchos agoreros profesionales se preocupan por la ausencia de largas colas ante las taquillas de las salas (obligadas a cumplir cuotas con películas que no interesan al público), el cine está más vivo que nunca, en las largas colas de la tecnología digital e Internet. Son colas virtuales pero muy reales, aunque excluyan, por innecesarios, a buena parte de los agoreros. Por eso es comprensible la preocupación por su propio futuro, que no amenaza, ni mucho menos, el futuro del cine.

1. Del público (y los críticos):

Nacho Vigalondo, en Cameron-Godard (vía Libro de Notas), defiende lo evidente … para casi todos salvo para los autoproclamados intelectuales y una subespecie especialmente amenazada, los críticos: es posible disfrutar de las películas Jean Luc Godard y de James Cameron al tiempo y no sufrir ningún tipo de problema mental ni esquizofrenia intelectual. Pero el mensaje de Vigalondo va más allá y proclama que alguien que disfrute del cine no necesita ya de los críticos profesionales para llegar a esa conclusión. La puede sacar uno consigo mismo, y además, si así se desea (y sin coste adicional) ayudado por una multitud de entusiastas que construyen día a día la larga cola de la crítica cinematográfica.

Nacho Vigalondo en un debate sobre la película documental de Adán Aliaga La casa de mi abuela recibió una pregunta que desencadenó su enfado y reflexión:

Y entonces llegó la pregunta de un señor al fondo.

-¿Y ustedes creen que es posible que una película así funcione, cuando el público joven mayoritario ve cine de acción americano?

…Pero como soy el hombre que soy, me limité a DEBATIR.

-Bueno, yo creo que el error es entender que porque un chaval vea cine de acción no pueda ver también la película de Adán.

No soy el hombre que quiero ser. Vaya mierda de contestación. Si tuviese pelotas, le hubiese explicado a aquel bienintencionado señor que los problemas de distribución de “La casa de mi abuela” derivan de las trasnochadas barreras que levantan posturas como la suya. Que colocar en una esquina de la clase a los que ven La jungla de cristal y en la otra punta a los que ven Amarcord y, a partir de ahí empezar a juzgar no nos convierte en espectadores de la tragedia, sino en agentes de la misma. Hay algo peor que categorizar las películas en función de tópicos, y es hacerlo con el público.

…Pero ¿Saben cuál es la buena noticia? La buena noticia no es que dos señores con la tarde libre discutan en La casa encendida. La buena noticia es que esa discusión ya está pasada de fecha.

Gracias a tener un blog, gracias a mi vida en Internet, he podido tener un contacto más o menos estrecho con gente una década más joven que yo. Imagino a cualquiera de ellos ante la disyuntiva de escoger entre Godard y Cameron y ya puedo imaginar su cara de incredulidad.

…Hoy en dia, un universitario puede ver Cabeza Borradora cuando quiera. Si no quiere o no puede permitirse hacerse con el DVD puede bajársela en Emule. Pero no sólo eso. Con la misma velocidad con la que alcanza la película, puede leer quince críticas, cinco de ellas brillantes. Puede leer de dónde vino esa película, y adonde fue, y comprenderá a la distancia que está de Bergman, de Dreyer, de Cocteau. Pero también de tanto cine de terror y tanta serie B despojada como Carnival of Souls. Y lo hará tan pronto y tan rápido que no tendrá tiempo ni espacio (mental) para gilipolleces como las del señor del fondo.   

Cada vez lo veo más claro, las posturas románticas que añoran nuestras carencias y avisan de los peligros de la “saturación de información” de hoy en dia sólo se sostienen por sí mismas. Tuve ocasión de decírselo en persona a Noelio y a Alvy Singer: “Ustedes leen y hablan de Stephen King con la libertad de no tener que defenderlo”. En sus blogs King se codea con Sallinger, con Roth y con DeLillo con la naturalidad del que ya no tiene que justificarse. Y eso es mejor que lo que nos tocó a nuestra mierda de generación. Porque nuestra generación, y lo digo mientras el spot de Coca Cola con música de Simple Minds  suena de fondo, es una mierda. Ya verán el siguiente post, ya.

2. De los autores:

Luis Yrache, inaugura su columna en Generación Red comentado el Movilfilmfest 2007 “primera edición del primer festival específicamente dirigido a cortometrajes hechos con teléfono móvil” en el que ha participado. El artículo describe de primera mano como se construye otra larga cola, en este caso la de los autores; como un uso creativo de una tecnología pensada para otro fin abre nuevas posibilidades narrativas, y como un festival entendido como una comunidad de interés aporta valor añadido a los creadores individuales:

Pido prestado un móvil y a los pocos días a grabar. En contacto con aquellos a los que avisé de este festival, varios también en un bache de imaginación, me sorprendo gratamente al ver que la mayoría se ha lanzado y están con sus pequeñas grandes ideas, ilusionados con participar. Es un poco volver a los circuitos un tanto abandonados. También conozco participantes que no habían dejado de estar plenamente metidos en el medio. De todo ha habido, muchos casos de los que ni siquiera tengo idea. El blog y los comentarios que cada corto recibe, accesibles a todos los visitantes de la web, van dando informaciones interesantes de cada director. Los propios cortos son fuente irremplazable del origen e intenciones de sus autores.

… La mayoría son experimentos, pruebas. Narrativos, experimentales, artísticos, de género, basados en el diálogo o radicalmente visuales, todos tienen su parte de intento, de búsqueda. Ejemplos ha habido entre los más de 150 participantes de propuestas muy distantes. Desde el uso del busto parlante directamente a cámara, estilo telediario, hasta la fragmentación de la pequeñísima pantalla del móvil en 16 mini imágenes por medio del denominado Split Screen. El resultado del primer ejemplo que acabo de mencionar implica la percepción del detalle expresivo del rostro cercano a cámara. El segundo se convierte en cambio en una obra visual que al perder el poder narrativo y figurativo se basa en la percepción global de formas y movimiento. Un casi puntillismo llevado al lenguaje del móvil.

 

Tres visiones de Los Angeles: del ciberpunk a la carretera (virtual)

1. En 1972 la BBC filmó un documental donde el crítico Reyner Banham exploraba la vida callejera y la arquitectura anti-espectacular de Los Angeles. Disponible en Google Video. [Vía City of Sound].

 

 

2. Anuncian en Hackitectura.net que hoy se presenta en la tesis doctoral de José Pérez de Lama titulada Entre Blade Runner y Mickey Mouse. Nuevas condiciones urbanas. Una perspectiva desde Los Ángeles, California. 1999-2002 en la Universidad de Sevilla. Una exploración de la condición urbana en uno de los “escenarios” del ciberpunk [sitio de descarga de capítulos en pdf; más información aquí].

3. Need for Speed Carbon (en español). Otra vez las carreteras de Los Angeles y sus suburbios, pero ahora con paisajes nocturnos y el conductor eres tú.

Les gustarán especialmente a aquellos incomprendidos por disfrutar durante varios años de Los Angeles.

El código del arte también se abre [Artículo en ABCD]

Hoy en ABCD se ha publicado mi artículo El código del arte también se abre. Mis “inspiraciones” para este artículo han sido algunos posts previos ( La vanguardia: ¿Dónde se está construyendo el futuro?. Algunos ejemplos, El new media art como prospectiva tecnosocial y tecnopolítica y, especialmente, El doble reto del open source para el arte. ¿Una doble oportunidad?) y una réplica de Juan Varela, Redes libres para negocios abiertos, al último post que aporta ideas muy relevantes. Este es el texto del artículo:

El código del arte también se abre

Se tiende a asociar el open source (código abierto) con el software libre y con una oscura forma de organización y de producción y distribución colaborativa propia de ciertas tribus de programadores y hackers. Menos conocida, pero igualmente importante, es esa misma tradición en las comunidades científicas. Pero, en realidad, el software libre sólo ha redescubierto, gracias a la tecnología digital, modelos organizativos tan antiguos como las sociedades humanas, y la filosofía open source se extiende ahora por todos los ámbitos intelectuales. La propia internet es uno de sus resultados más importantes.

El conocimiento es de código abierto cuando es independiente, gratuito (o con un coste muy bajo que no representa una barrera de entrada insalvable), reutilizable para su recombinación con otras «piezas» que permitan la construcción de nuevo conocimiento, y modular (los problemas complejos se descomponen en módulos que se pueden construir de modo independiente para después ser ensamblados). Y todo es conocimiento: el software, la ciencia, pero también el arte. Así este nuevo paradigma creativo basado en el open source provoca retos a los que no puede ser ajeno el mundo del arte, en especial en todos aquellos procesos de creación artística que bien son nativos digitales o bien se han digitalizado en mayor o menor medida, mediante la introducción de las tecnologías de la información en la creación o distribución.

Sin barreras. Internet y las innovaciones digitales ponen a disposición de los usuarios potentes tecnologías «efímeras» (usando el término acuñado por el visionario Buckminster Fuller), baratas, rápidas y de fácil uso, que permiten crear y distribuir conocimiento. Software para diseño, edición de video y música o creación de videojuegos, blogs o wikis como soportes de nuevas literaturas, redes P2P para distribución, licencias abiertas diseñadas específicamente para la remezcla, fotografía y vídeo digital, son sólo algunos ejemplos. Así desa-parecen barreras y se crean oportunidades, diluyéndose los límites entre aficionados y profesionales al tiempo que el concepto de ánimo de lucro se vuelve ambiguo y el universo creativo se expande exponencialmente.

Como contrapunto, mientras asistimos a esta eclosión de nuevas formas de creación, buena parte de la literatura sigue anclada en el viejo y aburrido debate entre la copia legítima y el plagio ilegítimo. Cada nuevo escándalo demuestra lo difuso del límite y lo arbitrario de la toma de postura por muchos intelectuales. Es un debate propio de una cultura analógica y jerarquizada que trata, en realidad, de dirimir quién detenta la autoridad. Pero internet favorece la eclosión de redes distribuidas haciendo innecesaria la jerarquización y la existencia de una autoridad externa. Los debates sobre el plagio se hacen innecesarios si se aplica la transparencia y se reconoce que el conocimiento y el arte siempre han sido una construcción colectiva, donde los autores utilizan ideas y materiales de otros en un proceso de copia y remezcla creativa. La tradicional leyenda de la creación individual, casi en aislamiento absoluto, esconde un proceso creativo mucho más complejo en que se mezcla el genio individual con el soporte colectivo. Lo único que han hecho internet y el paradigma open source es facilitar este proceso al tiempo que lo multiplica al dar acceso a una multitud de usuarios creativos, antes forzados a ser simples espectadores.

Pero, además el código abierto promueve nuevos «modelos de negocio» en el mundo del arte. La digitalización de la producción y distribución modifican totalmente las formas en que se viene rentabilizando el trabajo de los artistas, y sobre todo pone en cuestión el ecosistema de mediadores que organizan los mercados de arte analógicos. Surgen crisis (como la que afecta a la música) en los modelos tradicionales, basados en la antigua escasez de contenidos, pero también nuevas oportunidades asociadas a la nueva abundancia en la que numerosos creadores pueden llegar a un público minoritario sin intermediarios, explotando nichos antes desatendidos.

En tiempo real. Los ejemplos de arte creado en todo o en parte bajo el modelo open source se multiplican: los vídeos distribuidos en YouTube, música bajo licencia Creative Commons, el arte generativo, buena parte del new media art, la producción colaborativa de películas (con ejemplos recientes como Elephants Dream, Stray Cinema o Swarm of Angels), o el proyecto Canal*Accesible de Antoni Abad y un grupo de discapacitados barceloneses que ha merecido el Prix Ars Electronica 2006. Además sitios como Rhizome, We-make-money-not-art, Eyebeam reBlog o Networked_performance, entre otros muchos, sustituyen a museos y galerías como comisarios de facto que permiten seguir en tiempo real esta explosión de creación abierta.

Pero las redes digitales esconden también peligros si, como bien propone Juan Varela, se modifican los modelos de creación mientras que la distribución y comercialización sigue en pocas manos. En este caso asistiremos a la «paradoja del control 2.0», en que los viejos y grandes intermediarios siguen dominando el escenario y son los únicos que se benefician de la reducción de los costes de creación. Por esto es necesario que los creadores y nuevos mediadores se involucren en la creación de redes de distribución libres y en la defensa de unos estándares abiertos en el funcionamiento de internet.

Prada se viste de diablo (¿... o era de político?)

Si el diablo se viste de Prada, parece que Prada le devuelve el guante y se viste de “diablo”:

“I’m only interested in politics these days.”

Miuccia Prada, 2006

Editorial de la revista 032c (12th Issue, "Post-Heroic: Life ub the long shadow of war", Winter 2006/2007).