nómada, blog de juan freire

Ya no existe el tiempo, solo el espacio

Venimos de una época marcada por dos profecías claramente exageradas, cuando no totalmente erróneas: el final de la historia con destino final en la democracia liberal y la muerte del espacio provocada por Internet. Las convulsiones geopolíticas, alimentadas por conflictos de todo tipo, que se han instalado ya como paisaje cotidiano nos demuestran el error de Fukuyama. La profecía de Internet sigue instalada firmemente en el imaginario colectivo. Pero, donde muchos han creído ver la desaparición del espacio como dimensión vital fundamental, es ahora el tiempo el que languidece hasta desaparecer. Reaparece el espacio como eje multidimensional de nuestras vidas.

El tiempo “desaparece” cuando la velocidad es muy alta o muy baja. En ambos casos, nuestra limitada capacidad de percepción nos impide percibir los cambios, de modo que sólo nos queda el espacio, ya sea en su versión estable, anodina e inmutable o en su modalidad impredecible y variable.

Pero, ¿cómo entender este mundo basado en el espacio?. Como decíamos hace poco:

… el posmodernismo también está en crisis, y no sólo por que haya sido debilitado por el contra-ataque de un cierto neotradicionalismo modernista, si no por el surgimiento de una nueva cultura de redes (la network culture que ha propuesto Kazys Varnelis …

La parálisis de las sociedades premodernas dio paso al elitismo modernista, caracterizado por su velocidad controlada, que a su vez desembocó en el cinismo posmoderno de velocidad desbocada. Pero, vivimos ahora una incipiente cultura de redes donde nuestra capacidad de observación y comprensión nos lleva al hiperrealismo y a comprender que vivimos en un mundo, un espacio, de velocidades variables pero siempre extremas. La literatura ciberpunk lo ha entendido ya hace tiempo y ha pasado de ocuparse del futuro a situar sus narraciones en un presente continuo. William Gibson inició esta ruta en Pattern Recognition que ha desembocado en Spook Country.

Peter Sloterdijk, en una entrevista entrevista de Luisa Corradini para La Nación (Buenos Aires) en 2006 (reproducida en Rizomas o en Oficina de Innovación Política):

El modernismo fue la época de la construcción del gran invernadero de cristal. El posmodernismo es la vida después de su inclusión total en ese gran invernadero. La periferia está allí simplemente para recordarnos que todo es muy seguro y que es necesario proteger la estructura a cualquier precio.

En el modernismo habitábamos “esferas” (islas de seguridad aparente); en el posmodernismo “espumas” (nodos en redes donde desde nuestra cínica seguridad nos preocupamos por la aparente inseguridad); en la cultura de redes habitamos no ya los nodos, sino que vivimos en el espacios formados por las interacciones entre nodos que son la razón de ser de las redes. Espacios abiertos, inseguros pero libres y vitales.

Pero buena parte de nuestras sociedades siguen viviendo en la utopía de las velocidades controladas, en un mundo temporal. Vicente Guallart escribía en El País sobre La velocidad del urbanismo (accesible aquí), defendiendo la necesidad de considerar el tiempo en la planificación de nuestras ciudades. Una recomendación imprescindible, no para aquellos que viven en la cultura de redes, pero si para las mentlidades mayoritariamente pre-modernas, y en todo caso modernas, de nuestros políticos, incapaces de adecuar el ritmo de su planificación a la velocidad de la ciudad y los ciudadanos. Así se convierten en “el problema” en lugar de formar parte de las soluciones.

We need White Noise!

El número de Agosto de la revista Icon celebra su 50 aniversario con 50 manifiestos encargados a 50 personajes que, según su criterio, son los protagonistas contemporáneos de la arquitectura, el diseño y el urbanismo.

La Petite Claudine nos regala la traducción de parte de la la introducción, el único manifiesto que posiblemente merezca tal denominación dado que no ha sido encargado (aunque esto, en el fondo, sea cada vez más irrelevante). Jean François Fogel nos hace una síntesis de las tendencias (estéticas y éticas) que surjen de los 50 manifiestos; la más importante cuantitativamente: “Muchos manifiestos son publicidad para su autor. Quizás el único manifiesto que se puede escribir hoy es un manifiesto para sí mismo.” (y de ahí la irrelevancia del encargo). Geoff Manaugh elige en BLDGBLOG sus manifiestos preferidos (por supuesto, exluyéndose a si mismo, el único blogger invitado a tal evento … o, alternativamente, un blogger incluido entre los 50!).

Por el personaje o por el mensaje recomendaría deambular por los discursos de John Maeda, Rem Koolhaas, Bruce Mau, Stefan Sagmeister, OSA (Office for Subversive Architecture), Phillippe Rahm, Geoff Manaugh, Teddy Cruz, Bernard Khoury o Dunne & Raby.

Pero mi elección personal e intransferible es para el manifiesto de CityMine(d), el colectivo de activistas urbanos dedicados a la reapropiación de los espacios públicos mediante proyectos creativos que trabajan desde Bruselas, Barcelona y Londres. Su oficina de Barcelona organizó en Abril las Jornadas KRAX de creatividad social en conflictos urbanos (en las que participé en el debate sobre creatividad social en la ciudad). CityMine(d) “reclaman el espectro”, pero no nos hablan de la liberación de las telecomunicaciones. Las ciudades necesitan ruido blanco, desorden, riesgo e incertidumbres:

WHITE NOISE! We need White Noise! Definitely. Like the unprogrammed slot on your radio set, cities have spaces not yet harnessed for starchitecture or polished by design. And they need them! Like oxygen. It cannot be all programme, function and use! That is suffocating! The casual, the unruly, even the insurgent: that is where creativity thrives, where the economy will survive and where governance is re-invented. Every day. So don’t bawl it out with development schemes and new regimes. We need white noise!

La ciudad ordenada no es un entorno creativo; una ciudad que no es creativa no es una ciudad, es sólo un espacio de agregación, no un espacio de interacción. Lo decía hace algunos meses cuando proponía que [l]a inestabilidad y la destrucción creativa como motores de la innovación urbana.

White Noise (en la Wikipedia):

White noise is a random signal (or process) with a flat power spectral density. In other words, the signal's power spectral density has equal power in any band, at any centre frequency, having a given bandwidth. White noise is considered analogous to white light which contains all frequencies.

An infinite-bandwidth, white noise signal is purely a theoretical construction. By having power at all frequencies, the total power of such a signal is infinite. In practice, a signal can be "white" with a flat spectrum over a defined frequency band.

El ruido blanco es una construcción teórica propia de unas condiciones perfectas, no es alcanzable en el mundo físico absolutamente “imperfecto”. Por eso, son más preocupantes los planificadores que luchan contra el desorden (y logran muchas veces que la política destruya activamente la vitalidad urbana) que la posible distopía del caos absoluto, un riesgo que nunca saldrá del mundo de las ideas.

Vicente Guallart sobre la arquitectura de código abierto y la fabricación personal

En Opiniones de Arquitectura lanzaban hace unos días una serie de preguntas totalmente pertinentes sobre Arquitectura 2.0, y en particular sobre la viabilidad e interés de la aplicación del modelo de creación y producción basado en el código abierto al ámbito de la arquitectura y del diseño, y sobre la utilización de las licencias Creative Commons para este objetivo. En el post se citaban algunos casos de estudios y activistas que, de uno u otro modo, entrarían dentro de este modelo de “hacer arquitectura”, como Ecosistema urbano (sobre los que ya hablamos en Arquitectura postespectacular para la cultura de redes), el proyecto Open Architecture Network de Cameron Sinclair (más aquí y aquí) o el colectivo Hackitectura, además de citar el blog Oficina de Innovación Política de Andrés Jaque. En mi opinión las Recetas Urbanas de Santiago Cirugeda (más aquí y aquí) serían otro ejemplo esencial de arquitectura de código abierto, que además en este caso se convierte no sólo en un medio sino también en el objetivo fundamental de su trabajo.

Además, el post se preguntaba si Vicente Guallart permitiría la reutilización de su proyecto de Sharing Tower, que forma parte de Sociopolis, a partir de la propuesta de liberación de su “código” aparecida en dina0.com. A partir de esta pregunta retórica, el propio Vicente, director del Instituto de arquitectura Avanzada de Cataluña (IaaC), ha realizado dos reflexiones de gran interés. En la primera, como comentario al post, analiza el concepto de arquitectura de código abierto y la utilidad de las licencias Creative Commons. En una segunda reflexión, que me envió por correo electrónico, analiza lo que para él constituye hoy en día un arquitecto 2.0.

Vaya por delante que soy un admirador del trabajo de Vicente Guallart (sobre el que he escrito aquí y aquí) y que estoy empezando a colaborar con el IaaC, pero espero no ser subjetivo si digo que Vicente es otro de los personajes clave, como teórico y creador, de aplicación de la filosofía de código abierto aplicada a la arquitectura y el urbanismo. Lo demuestra en los dos textos que he citado más arriba y que reproduzco a continuación (tan sólo con una ligera edición para añadir algunos enlaces). Su trabajo actual con el Fab Lab del Iaac (un proyecto en colaboración con el MIT) está inspirado en una visión política muy clara de la tecnología. Así, conciben la fabricación personal como la nueva revolución que trasladará al “hardware” (al mundo de los objetos) lo que el software libre ha supuesto para la informática o Internet (y la web 2.0 especialmente) a las redes sociales.

1. Arquitectura 2.0 y licencias Creative Commons (comentario a Arquitectura 2.0, en Opiniones de Arquitectura)

Queridos amigos: Guallart si que autoriza el uso y edición de la Sharing Tower y otros de sus proyectos. De hecho la edición de la arquitectura siempre se ha realizado. La única cuestión es que tradicionalmente muchos arquitectos “cultos” han utilizado la arquitectura clásica y a los arquitectos muertos para citarlos (sea Le Corbusier o los teatros romanos) pero sin embargo han copiado sin pudor a los vivos, sin cita alguna. Muchos ejemplos tenemos en nuestro entorno. Por lo tanto el uso de las licencias tales como “creative commons” es una buena iniciativa.

Hace unos años se hablaba del copyright o el copyleft. En la actualidad estamos impulsando la aplicación del “factor 4” (como hacer el doble con la mitad de recursos) que es una de las leyes básicas de un desarrollo sostenible a través de la cultura de lo compartido. La sharing tower surgió de toda nuestra experiencia en la cultura de lo compartido del mundo digital, que ahora se consolida a través de lo que se ha venido a llamar la web 2.0. Desde el Instituto de Arquitectura Avanzada de Cataluña, que es para un grupo de gente una base para hacer investigación y educación compartiendo recurso, impulsamos proyectos como la “self-sufficent housing” que es otro ejemplo de hacer investigación a través de la red, ofreciendo los resultados a la comunidad de forma transparente. Asimismo vamos a impulsar una base de diseños para que la gente pueda imprimirse sus muebles más que comprarlos en IKEA o en Vincon. En el caso de un diseño industrial veo fácilmente compatible el tener un código o un diseño abierto para su desarrollo. A partir del año próximo podréis venir al Fab Lab del Iaac que trabaja en red con otra serie de fab labs que impulsa el MIT  e imprimir muebles, diseñados de forma continua.

En el caso de la arquitectura de hecho habría que diferenciar los principios básicos o los conceptos de los proyectos  que son fácilmente copiables y no registrables (a los cuales se refiere Ferran Adria cuando habla de su cocina) o de las soluciones aplicadas, que podrían ser objeto de patentes. En el primer caso la cita es una justa recompensa a una copia que de otra forma ya ocurriría. En el caso de las soluciones técnicas el problema es que hoy la industria de la construcción no trabaja como la industria del software, a través de una comunidad abierta, realizando mejoras de forma continua. Nosotros estamos trabajando en la interacción entre arquitectura y energía de esta forma, y también creando proyectos como “el genoma urbano”. La otra cuestión es que para que se puedan asumir diseños a partir de un Open Source de Arquitectura el propio promotor debe fomentar ese concepto del open source, o bien el promotor debe desaparecer y deben ser cooperativas de usuarios los que fomenten los proyectos. En cualquier caso este es un tema clave para los próximos años y creo que seria bueno  crear un grupo de trabajo a nivel español para impulsar dentro de nuestra comunidad la transparencia en el desarrollo de proyectos.

2. El arquitecto 2.0

Respecto a tu último texto me parece que la clave esta en el debate entre lo sistémico y lo icónico. Hacer ciudad es crear sistemas. Y a pesar de los grandes procesos de urbanización del mundo que se dan en la
actualidad, la construcción de la ciudad parece abandonada a la simple acumulación de materia (y de capital) basado en el no-urbanismo de influencia americana marcada por iconos hipermediaticos.

Sin embargo la "gran esperanza" esta entorno a nuevos barrios o ciudades basadas en una nueva ecología urbana de los que ya se empiezan a detectar proyectos en el mundo.

Ahora bien, todo sistema operativo, necesita iconos de referencia (algunas de mis montañas formarían parte de esta categoría).

Para mi el drama ocurre cuando el arquitecto abandona cualquier posible posición critica con la ciudad o el territorio y se convierte en una agencia de marketing urbano, o en una franquicia de si mismo. Algunas de
las grandes franquicias internacionales desarrollaron en los años ochenta y noventa proyectos urbanos muy interesantes.

Por ello nosotros defendemos la multiescalaridad y la necesidad de que el arquitecto se implique proyectando desde los territorial a lo arquitectónico, desde los bits al software que impulsa la interacción social. Y para ello hay que generar conocimiento de forma sistemática a través de la investigación y aplicarlo de forma instantánea en los proyectos.

Sorprendentemente la innovación puede tener un valor mediático igual o superior a lo icónico. Al arquitecto que espera encargos y aplica su oficio le sustituye el arquitecto que investiga, genera ideas, las difunde y las comparte para incidir directamente en la de construcción de un mundo de mayor calidad.

Este es el Arquitecto 2.0.

Repeat Please: Cultura VJ. La vanguardia creativa que llega desde el sur

Repeat Please: Cultura VJ es una exposición que organiza la gente del colectivo Zemos98 para Eutopía 07, el II Festival Europeo de la Creación Joven. Se celebrará del 15 al 23 de septiembre en el Teatro Cómico Principal de Córdoba, aunque en su web se puede ya consultar la información que el equipo ha ido recopilando y ensamblando como parte de su investigación sobre la cultura de los videojockeys.

En la versión prelminar y digital de su catálogo, que será el primer libro sobre este tema en español, explican el proyecto:

La exposición “Repeat Please: cultura VJ” se trata de un proyecto divulgativo sobre la cultura de los videojockeys (VJ), creadores audiovisuales del presente y sobre todo del futuro. El término videojockey se aplica a aquellos creadores que generan sesiones visuales mezclando en directo videos con música, habitualmente en discotecas y cada vez más en conciertos y espectáculos de todo tipo de música.

Con este proyecto nos intentamos acercar de manera amena y participativa al mundo de los creadores audiovisuales en directo. Aunque nuevo, todo esto tiene una historia que es mucho más amplia de lo que parece. Hacemos también especial mención al trabajo que se hace en España, que no es poco, ya que quizás sea uno de los nodos más importantes a nivel europeo.

En Andalucía, EUTOPÍA y el Instituto Andaluz de la Juventud han dado un paso importante de cara al mundo del VJ. Este apoyo institucional, hoy día, tiene sentido gracias a que se apoya en la iniciativa de entidades como el festival audiovisual ZEMOS98 que a lo largo de estos años ha programado en Sevilla a algunos de los artistas visuales más importantes del mundo, así como LUX’06 una importante reunión de VJ’s de todo el mundo celebrada en Mayo de 2006, también en Sevilla y por supuesto es de destacar la labor de colectivos pioneros como Visu-all (Sevilla) o Miga (Granada). Todos están recogidos de alguna manera en este proyecto.

La exposición presentará obras de algunos de los más importantes creadores nacionales e internacionales, empezando por el pionero Nam June Paik (objeto de una exposición antológica este año en la Fundación Telefónica en Madrid) y será inaugurada con un espectáculo del grupo Addictive TV. Además, han publicado un avance de fuentes bibliográficas. Para empezar a conocer los lenguajes y tecnologías con que los VJs se expresan se pueden visitar las obras de Nam June Paik (los antecedentes de la cultura VJ), el sitio de Addictive TV o el video de DJ Spooky Rebirth of a Nation (una remezcla de la película de 1912 de D.W. Griffith, Birth of a Nation), que ya fue comentado extensamente en el blog de Zemos98. De hecho, DJ Spooky actuó hace unos años en uno de los festivales que organizan en Sevilla.

Hace unos días el Diario de Sevilla publico un excelente artículo sobre esta exposición, Una historia de los “Videojockeys”:

Forbidden Lego: ¿la venganza de los crowdsourcers?

Lego presentó el año pasado el rediseño de su producto Mindstorms, que permite construir todo tipo de objetos mediante bloques de construcción robotizados y programables. Este producto llevaba ya años en el mercado, pero tras el lanzamiento de su segunda versión en 2001 estaba languideciendo. Lego necesitaba urgentemente innovar y lo hizo mediante una estrategia radical: crearon un grupo de trabajo en que. además de su propio departamento de I+D y diseñadores, participaron usuarios avanzados (verdaderos fanáticos que llegan a organizar congresos), siguiendo el modelo del crowdsourcing. Utilicé este caso en su momento como ejemplo de innovación por los usuarios y un artículo publicado en el número de Febrero de 2006 de Wired, Geeks in Toyland, explicaba detalladamente la historia.

El éxito del nuevo Mindstorms es un ejemplo claro del potencial de la la innovación abierta, y en particular del modelo en que la participación de usuarios permite incrementar la creatividad del proceso de diseño de un producto (en este caso con nuevas funcionalidades, mayores posibilidades constructivas, y un interfaz de programación más potente y amigable).

Ahora acaba de salir a la luz el libro Forbidden Lego, de Ulrik Pilegaard y Mike Dooley, editado por No Starch Press. Los autores son dos “Lego master builders” que desde dentro y fuera de la compañía han participado activamente en el desarrollo de la última versión de Mindstorms. El libro ha sido analizado detalladamente en Evil Mad Scientist (vía GeekDad; otra revisión en ArsGeek, donde también han publicado una entrevista con Ulrik Pilegaard). Sus autores han volcado en este libro su conocimiento sobre aquellas posibilidades de Lego que no pueden desarrollarse “dentro de la ley”, o dicho de otro modo, diseños que requieren asumir ciertos riesgos (superiores a los que fija la legislación), cortar piezas o utilizar componentes ajenos a Lego:

… The Lego product safety standards are (of course) discussed in some detail, and more or less boil down to the question "could it poke an eye out?" (And poking eyes out is frowned upon.) There are also apparently other Lego design rules and guidelines-- models might be considered unsuitable for production if they require cutting bricks, using non-Lego components, or so forth. But, creativity has its ways of oozing around rules, hence the book.

El libro desarrolla 5 casos que, por supuesto, están totalmente “fuera de la ley” pero pueden resultar mucho más atractivos que la mayor parte de modelos “oficiales” para los fans de Lego.

Ulrik Pilegaard y Mike Dooley son dos usuarios avanzados convertidos en “crowdsourcers” al servicio de Lego que, en un determinado momento, han decidido retar a la empresa. Más allá de este caso concreto, y teniendo en cuenta la importancia creciente de fenómenos como la innovación abierta y el crowdsourcing, tenemos aquí un excelente ejemplo de que el futuro de los modelos de negocio abiertos puede operar por rutas muy diversas. El crowdsourcing, especialmente aquel destinado a incrementar la eficacia y la velocidad de la innovación (no tanto en el caso de que el objetivo sea aumentar la creatividad), suele considerarse como un riesgo potencial para los “trabajadores” (ya sean empleados o crowdsourcers) dado que permite a las organizaciones rentabilizar de un modo extremo el trabajo y conocimiento de los usuarios avanzados con un coste mínimo (muy inferior, para el mismo resultado potencial, al que supondría el desarollo de un proceso equivalente de modo interno).

Pero, el caso de Lego Forbidden apunta a otro escenario. Los usuarios pueden llegar a diseñar nuevos productos y servicios que no son de interés para la empresa y, como no están vinculados a ella como empleados, pueden permitirse, por las motivaciones más diversas, difundir estos diseños retando de este modo al propio modelo de negocio de la empresa con la que colaboraron. ¿Cuáles serían las consecuencias de este proceso? ¿La reinvención de las empresas?, ¿su desaparición?, ¿el abandono del crowdsourcing, o su transformación en nuevas formas de empleo, para evitar estos peligros?

Podría incluso pensarse que finalmente esta rebelión de los usuarios puediese revertir de nuevo en positivo hacia la empresa si es capaz de desarrollar una estrategia, un tanto maquiavélica, en la que los usuarios avanzados difunden usos “no permitidos” que muchos otros usuarios querrán utilizar y para los que, finalmente, deberán también comprar productos de la empresa. Así, aquellos que quieran construir los diseños de Lego Forbidden deberán, a pesar de todo, comprar buena parte de sus materiales a la propia Lego. y el aumento de la oferta de diseños puede provocar incrementos en el consumo de productos Lego por sus clientes.

En esta confrontación de usuarios y crowdsourcers con las empresas abiertas se puede dar una carrera de armamentos constante que, independientemente de las consecuencias para los actores, generará una espiral de innovación.

Aunque siempre sería posible un tercer escenario, especialmente en países como España con políticos y grupos de presión tan recelosos de la innovación y la tecnología y proclives a la demagogía y al mantenimiento del status quo. No es difícil imaginar que en un momento dado, algún funcionario o político con responsabilidades de gobierno acaben llegando (incluso leyendo) al libro Lego Forbidden y concluyan con una lógica aplastante que los productos de Lego son peligrosos para los ciudadanos. En este momento es más que probable que una o dos organizaciones de consumidores reclamen, con gran aparato mediático, que el gobierno tome cartas en el asunto y cumpla con su ineludible responsabilidad de protección al consumidor. Dada la imaginación a que nos tienen acostumbrados estos actores, el resultado más probable sería la prohibición para todo el territorio nacional de los prodcutos Lego. ¿Problema resuelto? Más bien no; Mindstorms pasaría de ser un producto minoritario propio de padres geeks e hijos nerds a estar en boca de todos. La gente descubriría las enormes posibilidades (acompañadas de la dosis precisa de riesgo) de algo aparentemente tan aburrido. Con el incentivo de lo prohibido multitudes de nuevos usuarios se lanzarían a buscar esos nuevos objetos de deseo. Los “mercados negros” de Amazon o eBay harían el resto. Puede que Lego debiera empezar a regalar alguna copia de su “libro prohibido” …

Diseñando espacios para comunidades educativas creativas: Fuji Kindergarten y Kaospilot

Continuando con el diseño de espacios para la interacción en comunidades creativas, y después de comentar el caso de las organizaciones de hackers, puede ser de interés fijarse en otros tipos de comunidades. Me refiero en esta ocasión a las comunidades educativas “formales”, otro entorno en el que en la actualidad existe un consenso sobre la importancia de formentar la capacidad creativa de sus miembros (en este caso, especialmente, los estudiantes) y que, al tiempo, son criticadas continuamente por su fracaso en el logro de este objetivo. Además, al contrario que las comunidades de hackers, los centros educativos constituyen en su mayoría organizaciones estrictamente planificadas (lo que podría explicar las dificultades que se encuentran a la hora de educar para la creatividad) y orientadas al desarrollo intelectual de los estudiantes y no al desarrollo de proyectos.

Dos ejemplos pueden ayudar a analizar los factores tangibles e intangibles (y especialmente su interacción) que provocan el desarrollo de personas creativas. Por una parte, Fiona Wilson ha publicado en la web de la revista Monocle un video-reportaje sobre Fuji Kindergarten, en Tachikawa, un área suburbana de Tokio. El modelo educativo de este centro se basa en la combinación del diseño arquitectónico, realizado por Tezuka Architects, y del diseño de las interacciones sociales. El reportaje explica como el éxito se basa en la coordinación de ambos procesos: la arquitectura está al servicio de una serie de actividades sociales (desde el juego, que se desarrolla en un tejado libre de objetos, hasta la relación entre profesores y niños que trata de romper la tradicional relación jerárquica). Cada detalle del comportamiento de los miembros de la comunidad está apoyado por el diseño del edificio y su mobiliario. Los arquitectos han sabido traducir en estructuras el diseño de las interacciones sociales que los directores del proyecto han sugerido.

Diego Rodríguez en Metacool define a Fuji Kindergarten como [a] School for learning:

Fuji Kindergarten, I reckon, is what happens when "chutes and ladders" meets a thought experiment about education which goes back to first principles.  What  makes it so unusual an educational institution is that it places the most emphasis on learning, rather than on teaching.  And on students rather than teachers (and, I'd wager, on teachers rather than administrative staff...).

El otro ejemplo trata de estudiantes universitarios y de la iconoclasta escuela de negocios danesa Kaospilot. En este caso, la arquitectura no cumple más que un mínimo papel y es el modelo organizativo y el sistema de incentivos y reglas de juego que gobiernan el trabajo colaborativo de profesores y estudiantes los que dan luagr a profesionales especialmente creativos. En este video lo explican sus propios estudiantes (vía Casi Seguro, aunque no he podido localizar el post original):

Diseñando espacios para comunidades creativas: Patrones emergentes de las organizaciones de hackers

La creatividad se ha convertido en el objetivo deseado de todo responsable de una organización, sea esta una empresa, una comunidad o una ciudad. La buena noticia es que se identifica uno de los motores intangibles de la economía del conocimiento y de la sociedad red. La mala noticia es que tanta atención por parte de los responsables se suele traducir en la aplicación de viejas prácticas a nuevos objetivos. El business-as-usual se traduce en una cierta obsesión (o ausencia de ideas alternativas o de capacidad para “dejar hacer”) por las infraestructuras y la planificación.

Pero la creatividad es intangible, escurridiza, difícil de manejar y de consecuencias imprevisibles. Podríamos entenderla como una propiedad emergente de un sistema complejo y, por tanto, sería viable (y deseable) diseñar condiciones promoverla, pero no planificar como, cuando y como surgirá esa creatividad. Difícil reto para los gestores tradicionales: crear condiciones y dejar hacer; asumir la incertidumbre y los riesgos (y dar respuestas ante inversores, vecinos, socios o colegas); y transformar las consecuencias de los procesos creativos que se generen en resultados satisfactorios.

Del mismo modo que la gestión urbana puede aprender mucho de los procesos informales donde sólo existe una gestión de facto, la gestión de la creatividad podría nutrirse de las experiencias exitosas de aquellas comunidades que han desarrollado proyectos en condiciones aparentemente adversas y con escasa o nula planificación. Uno de estos casos es el de la organizaciones de hackers y, en particular, los hacklabs.

Iago Mosquera me ha puesto sobre la pista de un post de Bre Pettis en el el blog de Make:, Design Patterns for Starting a Hacker Space, donde resume la conferencia Building a Hacker Space que impartieron Thorsten Haas, Lars Weiler y Jens Ohlig  en el C4 (Chaos Computer Club Cologne) hace unos días [versión pdf de la presentación; album de fotos en Flickr]. Este post ha sido comentado también por Bruce Sterling.

El C4 es una comunidad que en la actualidad incluye a 42 miembros que llevan trabajando en común desde 1997. A lo largo de ese periodo los espacios, físicos y sociales, de trabajo y colaboración han ido evolucionando con sucesivos rediseños. En la presentación resumen los patrones que han emergido de la experiencia de trabajo conjunto. Sólo por esta razón sus reflexiones son de interés: son el resultado de la práctica, aparentemente existosa, y no de un plan teórico. Por esa misma razón, en mi opinión lo más relevante de su presentación son dos grandes tendencias:

• el diseño de los espacios de interacción conjuga tanto los aspectos tangibles, la arquitectura y las infraestructuras, como los aspectos intangibles relacionados con modelos organizativos, los incentivos, la resolución de los conflictos y la toma de decisiones, y
• el proceso creativo no es planificable en sentido estricto, pero si es posible definir condiciones favorables en términos de incentivos, reglas de juego y contexto social, técnico y ambiental.

La presentación parte de una premisa clave al preguntarse si el “diseñador” debe trabajar sobre las infraestructuras o sobre los proyectos:

Make everything infrastructure-driven. Rooms, power, servers, connectivity, and other facilities come first. Once you have that, people will come up with the most amazing projects you didn’t think about in the first place …

You are hackers, you know what to do. Stop slacking and set upa mailing list, a wiki, and an IRC channel. You will need all three.

Sobre la importancia del “capital humano” (especialmente, el “capital semilla”, aquel que lanza el proyecto):

Look for strong personalities as members of your original group. You will need people with experience in building structures. Look for people who HAVE authority (and get respect), not for people who USE authority (and get laughed at).

Después se ocupan de los pequeños, pero importantes, detalles: desde la existencia y tipología de los espacios independientes hasta la comida o las zonas de fumadores pasando por la los sofás. En cuanto al modelo organizativo y de gestión proporcionan recomendaciones sobre la gestión financiera (contar con un contable que actúe como un “pequeño tirano”), los mecanismos de participación y toma de decisiones y la resolución de conflictos.

Manual para ocultación de plagios: "El gobierno, al rescate de España", El País al rescate del gobierno

Este pasado domingo el periódico El País “informaba” en su primera página: El gobierno, al rescate de ‘España’ (titular que en la edición en Internet se transformó en El Gobierno recupera "España"). Parece que el gobierno español quiere rescatar la visión más identitaria y nacionalista de España usando como “armas” a RTVE y el nuevo logo del “Gobierno de España”.

Pero, cabría preguntarse si la noticia del domingo era realmente esa nueva estrategia del gobierno español y del partido en el gobierno o la estrategia de El País y su grupo editor para “rescatar” al gobierno español del pequeño desastre que ha provocado con su gestión del tema del logo.

Juan Varela explicaba hace unos días que [e]l logo del gobierno plagia el alemán:

Un jurado lleno de expertos y ni siquiera se emplearon en comparar o ilustrarse con otros logos similares.
A Holger Volland, responsable de la agencia Metadesign, autora del logo alemán y una de las grandes del sector, le parece "ridículo" copiar el logotipo del gobierno de su país.
No es al único.
Y cree que "no es posible que el Gobierno español tenga un logo similar al de nuestro Gobierno. Eso no sirve, porque el logo que representa a un país tiene que ser algo único".
Pues sí.
Y todo esto después de las protestas de los diseñadores por la forma de convocar el concurso y las explicaciones con regusto a excusa del porqué de la contención gráfica.

Por supuesto, ante las evidencias incontestables (véase la imagen), el diseñador declaraba, tal como nos recordaba de nuevo Juan Varela, que “La polémica del logo es política”:

… El diseñador del sospechoso logo del gobierno de España, Juan Repullés, se queja, como no, de la política y sus medios para defender que su trabajo no copia al del ejecutivo alemán.
Lo que la política te da, la política te quita.
El diseñador autor de otros trabajos para presidencia del gobierno debería recordarlo. Son las servidumbres de lo público …

Una cosa es la inspiración. "Hemos analizado los logos de todos los países europeos y de otras importantes naciones, no sólo de Alemania", dice el diseñador acusado. Otra, la copia, incluso hasta dos, dado el parecido de la corona con otra de Cruz Novillo.
Pero lo que más sorprende de las argumentaciones del sospechoso es: "Hay que transmitir valores. Y, en este caso, le hemos aportado matices que le transfieren calidez y modernidad. Así, hemos utilizado una tipografía humanista, que va con la tradición cultural española".
Con el talante hemos topado.

Pero volviendo al artículo del domingo en El País, David de Ugarte apunta como explicación de su publicación y contenido el apoyo de un grupo mediático a la “nueva” estrategia gubernamental, consistente en la apropiación por parte de la izquierda española del nacionalismo en su versión más clásica (y obsoleta). Estoy de acuerdo con que esta es muy probablemente la razón de fondo que marca la estrategia del gobierno y el periódico, pero al tiempo puede que exista una motivación más puntual y banal. Quizás esta segunda razón esté relacionada con las fechas de vacaciones en que buena parte de el país y, seguramente, de El País disfrutan, que hacen que los contenidos se cuiden mucho menos en el fondo y en la forma. El artículo, incomprensiblemente, toca sólo tangencialmente el tema del plagio y lo hce sólo para desacreditar las críticas haciendo ver que el diseño seleccionado es casi el único viable, sin dar una sola entrada a las numerosas voces críticas (y muy autorizadas) que opinan de forma distinta. Parece que hasta los ejemplos gráficos, todos ellos en un estilo demasiado pop para un gobierno serio parecería querer decir el artículo, que acompañan el artículo de diseños descartados (de entre los 320 presentados) han sido elegidos para apoyar esta idea. Lo explica excelentemente Berlin Smith:

En uno de esos magníficos artículos que se marca la prensa en que se presenta como noticia lo que no es más que tesis o propaganda, El País (por tanto, sospechoso de connivencia) publica una bella pieza para limpiar a los legítimos gobernantes del pitorreo de la nueva identidad "corporativa" de... España. El titular es gozoso y parece diseñado por Pepiño Blanco: "El Gobierno recupera España". Una estrategia de pegatinas más Televisión Española. Pero si decían que el gobierno no iba a intervenir en los medios de comunicación públicos.

Lo más primoroso es el argumento, por supuesto sin ninguna clase de opinión contraria, porque es periodismo independiente y riguroso, que emplea la reportera beneficiada de la filtración correspondiente, un hito en su currículo profesional.

Y yo que pensaba que habíamos llegado al consenso intelectual de que toda patria es inventada. Ahora resulta que es esencial, preexistente a su construcción y que El País dice que es obligación del gobierno (es decir, el Gobierno le ha dicho) construirla.

Si me permitís una ironía, aprovechando este mes de Agosto, la prensa “profesional” no puede permitirse, más que en una pequeña proporción, reducir sus contenidos durante los periodos de vacaciones de su personal por lo que, al final, acaban “reduciendo” su calidad. Lo achacan a la falta de noticias; pero sólo faltan las noticias siempre sensacionalistas que tanto le gustan a los medios; la información de interés y la opinión sigue produciéndose. Por el contrario, los blogs, “amateurs” y despojados de toda autoridad, pueden permitirse cerrar en Agosto … o no y, aprovechr el sosiego, para producir algunos de los mejores posts del año. Paradojas del mundo en que vivimos.

Arquitectura postespectacular para la cultura de redes: Ecosistema urbano

Coexisten en nuestras sociedades tres formas de hacer arquitectura que, a su vez y debido a la enfermiza dependencia de los políticos hacia lo constructivo, configuran tres modelos culturales y tres formas de entender a la propia sociedad. Dos de ellas buscan, cuando alcanzan su máxima expresión, lo espectacular tanto en tamaño como en propuesta estética. Así, la arquitectura modernista sigue siendo posiblemente la preferida tanto por los políticos como buena parte de los promotores obsesionados por lo monumental y los museos; contamos con ejemplos que oscilan entre la elegancia sobria de Rafael Moneo o el rococó de Santiago Calatrava. Pero el modernismo como cultura y práctica hace ya décadas que fue desafiado por el posmodernismo. De este desafío nació desde la arquitectura sin autor de las ciudades genéricas y del simulacro, que tienen en Las Vegas su icono principal, hasta figuras iconoclastas como Rem Koolhaas y su Office for Metropolitan Architecture. Pero el posmodernismo también está en crisis, y no sólo por que haya sido debilitado por el contra-ataque de un cierto neotradicionalismo modernista, si no por el surgimiento de una nueva cultura de redes (la network culture que ha propuesto Kazys Varnelis, que a partir de su trabajo teórico sobre historia de la arquitectura acaba analizando la cultura contemporánea, mostrando claramente las conexiones e influencias mútuas entre una parte, arquitectura, y el todo, cultura). Es paradigmático que el propio Koolhaas y su think tank AMO hayan reducido últimamente su trabajo de análisis urbano y social para dedicar sus mayores esfuerzos al desarrollo de espectaculares proyectos arquitectónicos. Muchos lo consideran una evidencia clara del declive de Koolhaas y, posiblmente, del posmodernismo. Como una nueva paradoja del mundo en que vivimos, cuando la arquitectura de OMA es más popular que nunca, las ideas de AMO se desvanecen lentamente.

Pero entre la arquitectura concebida como espectáculo o monumento, se va abriendo camino otra arquitecctura nativa de la cultura de redes que construye para diseñar espacios de interacción, que se mueve tanto en los espacios físicos como en los digitales y que se preocupa por los nuevos desafíos de nuestras sociedades (desde la sostenibilidad a la innovación). Esta nueva arquitectura trabaja “dentro del sistema” sin necesidad de cinismo ni de elitismo para soportarlo, y además entiende como funciona, pero mantiene una visión crítica apostando por el cambio desde el trabajo y la innovación.

Ecosistema urbano es un equipo de arquitectos e ingenieros que desde Madrid y trabajando en todo el mundo representan un ejemplo de esta nueva arquitectura. Diseñan soluciones baratas (incluyendo una alta dosis de reciclaje) y rápidas y trabajan entenidendo la ciudad como red de personas y espacio de interacción. Uno de sus objetivos principales es la sostenibilidad que trasladan al uso de materiales y de energía, y al propio diseño de los espacios (por ejemplo, integrando corredores verdes en las ciudades que superan el concepto de jardín o zona verde tradicional). Ellos se definen así (más en la presentación de su blog):

[ecosistema urbano] es una estructura abierta, dedicada a la investigación y el diseño arquitectónico. Se caracteriza por su elevada sensibilidad hacia la ecología y su compromiso con la sostenibilidad de las ciudades y el planeta.
Frente a posturas teórico-críticas pasivas relacionadas con la arquitectura, [ecosistema urbano] mantiene su apuesta por la acción, partiendo de una mirada crítica y propositiva de la realidad, que se utiliza como mecanismo de proyecto.
Los arquitectos debemos dejar de pensar exclusivamente en términos de materialidad. El hombre crea condiciones artificiales, configura entornos que también son arquitectura. El uso de medios inmateriales es tan importante como el de los materiales para definir un espacio. El arquitecto contemporáneo no es sino un gestor que optimiza los recursos energéticos y presupuestarios disponibles.
[ecosistema urbano] apuesta por una arquitectura... ...utilizada como instrumento preventivo. Prevenir es una actitud más sostenible que curar.
...que cuente con la dimensión temporal como material de proyecto. El pensamiento estratégico proporciona capacidad de anticipación.
...ligera y con fecha de caducidad. Utilizable sólo durante el tiempo que sea necesaria.
...entendida como proceso reversible. Proyectada para su construcción y desmantelamiento. Proyecto como plan de gestión de la vida de un objeto.
...pensada desde la economía de medios. Estableciendo prioridades encaminadas a conseguir lo máximo con lo mínimo, que tiene mucho de sostenible y poco de minimalista.
...para la libertad e incertidumbre. Planteada desde la realidad y alejada de las utopías y las soluciones holísticas que procuran la resolución de todos los problemas a la vez.

Uno de sus proyectos más paradigmáticos tanto por su reconocimiento público que ha alcanzado como por su propuesta estética y, especialmente, funcional es el bulevar bioclimático en el ensanche de Vallecas, en Madrid. Partiendo de la realidad de la ciudad (más bien de la no-ciudad), y no de una utopía, proponen una solución vanguardista y útil. El proyecto se acaba convirtiendo en un ejemplo alternativo de espectacularidad, a pesar de que está concebido como una estructura efímera diseñada para su desmantelamiento futuro:

La propuesta para el eco-bulevar de Vallecas, puede definirse como una operación de reciclaje urbano que consta de las siguientes actuaciones: la instalación de tres árboles de aire-dinamizadores sociales, la densificación del arbolado de alineación existente, la reducción y disposición asimétrica de las circulaciones rodadas e intervenciones superficiales sobre la urbanización existente (perforaciones, rellenos, pinturas, etc.) que logran reconfigurar el urbanismo ejecutado.

Tres pabellones o árboles de aire funcionan como soportes abiertos a múltiples actividades elegidas por los usuarios. Instalados en la no-ciudad como prótesis temporales, se usarán sólo hasta que la tara de inactividad y de acondicionamiento climático, se haya corregido. Transcurrido el tiempo suficiente, estos dispositivos deberían desmontarse, permaneciendo los antiguos recintos como claros en el bosque. El árbol de aire es una estructura ligera, desmontable y autosuficiente energéticamente, que sólo consume lo que es capaz de producir mediante sistemas de captación de energía solar fotovoltaica.

Este fue uno de los proyectos que presentaron en la exposición colectiva Freshmadrid. Google Maps nos permite visualizar estas estructuras y el entorno urbano donde se sitúan, muy alejado de los escenarios habituales de los arquitectos estrella. En julio anunciaban que ya estaba terminada su segunda fase y se había completado la instalación de los tres árboles. El ecobulevar es sólo un ejemplo de los diferentes proyectos que han desarrollado o en los que están trabajando en estos momentos.

Pero Ecosistema urbano no sólo trabaja en la cultura de redes por su arquitectura, también por su modelo de funcionamiento como organización. Mientras que su “página corporativa” es un ejemplo clásico de diseño web de o para arquitectos (espectáculo visual y difícil navegación y usabilidad; de nuevo OMA es el ejemplo canónico), desde hace un tiempo cuentan con un blog (en inglés; canal en YouTube) que se ha convertido en su canal de comunicación donde presentan sus ideas y proyectos pero también sus intereses y filosofía de trabajo y vital. Así el blog se ha convertido en el espacio donde van descubriendo la cultura de redes en la que, en realidad, estaban ya trabajando y van configurando su estrategia. De este modo se han declarado como incipiente empresa 2.0:

… una empresa transparente que se abre al público y acepta sugerencias y criticas (que es lo que tratamos de hacer con este blog). Otro tema típico de la “filosofía 2.0″ es trabajar en red con otras empresas, de manera que nuestros trabajos adquieren un valor añadido también por la colaboración de otros. Los arquitectos suelen hacer lo contrario, lo quieren controlar todo.

Aplicamos esta dinámica también como regla de funcionamiento interior. En nuestra empresa se valoran las calidades individuales y la creatividad de cada componente del equipo. Incluso nos estamos planteando utilizar el blog para que cada uno de nosotros publique ideas y proyectos personales que aunque no sean realizable en el inmediato lo podrían ser en un futuro próximo, o quizás por la participación de algunos de vosotros.

Por otra parte, hace unos días comentaban el proyecto Open Architecture Network (liderado por Cameron Sinclair; más información aquí y aquí), lo que les llevó a plantearse el uso de licencias Creative Commons para sus proyectos (permitiendo su uso en proyectos de otros arquitectos):

…Aplicaremos a nuestros proyectos la licencia creative commons, de manera que todos puedan difundir y usar nuestros proyectos con la única obligación de citarnos como autores.

Estamos trabajando a un sistema para que todos los que quieran se puedan bajar desde este mismo blog, los archivos CAD, imagen y vídeo de nuestros proyectos.

¿Innovación en Second Life?: entorno experimental para la interacción y la comunicación

Tienen razón tanto Putting people first (el blog de Experientia), en Second thoughts on Second Life, como Wagner James Au, en Debunking 5 Business Myths about Second Life, cuando se refieren a la exageración que supone la explosión de comentarios, artículos y márketing negativo sobre Second Life que ha aparecido en las últimas semanas. Pero una parte de esas críticas tienen bastante fundamento, tal como discutía hace poco en ... Y los avatares abandonaron Second Life y Avatares fuera de Second Life ... el vídeo.

En el otro lado de la balanza se encuentran los aspectos positivos, potenciales o ya reales. Yo identificaba su utilidad en eventos y especialmente como entorno de aprendizaje así como su potencial para el márketing. Wagner James Au, que durante varos años trabajó para Linden Lab como periodista “empotrado” en SL, proporciona datos para rebatir 5 grandes mitos con que se identifica SL: 1) su tamaño es intermedio (aprox. 500,000 usuarios activos), 2) la tasa de visitas a los sitios comerciales es similar a la que obtienen los banners en la web, 3) la mayor parte de los ingresos de Linden Lab (generados por al venta de “islas”) no proceden de sitios publicitarios, 4) los sabotajes a sitios corporativos no son tan frecuentes ni graves como aparece habitualmente a los medios, y 5) la proporción de avatares dedicados a actividades sexuales es, según diferentes estimaciones, de un máximo de un 6% y un 18% de los sitios muestran contenido “para adultos”, cifras que posiblemente sean similares o inferiores a las del resto de Internet.

El artículo de Putting people first, identifica los usos no evidentes de SL como aquellas aplicaciones emergentes que pueden representar el mayor valor innovador de este mundo virtual. El mayor interés estaría en su utilización como un entorno experimental donde ensayar o “prototipar” nuevos paradigmas de interacción y comunicación. En este contexto existen 4 aplicaciones de gran interés:

1. Prototyping of new participatory communication paradigms often involving very targeted and selected communities. A lot of lectures take place in Second Life. In fact, more than 300 universities, including Harvard and Duke, use Second Life as an educational tool. Some educators conduct entire distance-learning courses there; others supplement classes. Also big companies such as IBM and Intel use these graphics-rich sites to conduct meetings among far-flung employees and to show customers graphical representations of ideas and products. IBM went even as far to take the unusual step of establishing official guidelines for its more than 5,000 employees who inhabit “Second Life” and other online universes… Even something simple as chat is an entirely different experience on Second Life, with the other person’s presence is no longer communicated through an MSN-style presence icon with a small photograph or drawing but instead through a full three-dimensional moving avatar.

2. Prototyping of new interaction paradigms. Researchers at MIT are building realistic training simulators in Second Life, often controlled through a Wiimote. Some are even creating simulations for companies, such as a medical-devices firm, a global-energy company focused on power-plant training, and a pest-control firm — all looking to reduce training costs. In the words of one researcher, “the ability to easily integrate a wide range of psychomotor activities with simulations running on standard computer platforms will change the ways people interact with computers.”

3. Experimentation in an unconventional digital environment. These virtual worlds may be primitive still, but if we think of it, we are already living in an enriched world where our interactions with companies and banks, institutions and universities, cities and public services, are no longer just based on a physical communication paradigm. Instead they have become highly mediated by technologies. This will continue to grow. Our interactions will not only become more mobile but also more involving, more three-dimensional, and more experiential...

4. Virtual laboratories to understand human behaviour. Also researchers are exploring Second Life and other virtual worlds. A recent article in the journal Science addresses how researchers are getting insights into real life by studying what people do in virtual worlds, suggesting that virtual worlds could help scientists studying ideas of government and even concepts of self, while other researchers are looking at how behaviour peculiar to online worlds differs from that in real life…