nómada, blog de juan freire

Spam urbano: los espacios públicos como interfaces digitales

La mezcla de información y publicidad es omnipresente en los espacios públicos urbanos. Las fachadas y el mobliario urbano se están convirtiendo en las nuevas pantallas. La irrupción del spam urbano puede ser una consecuencia, entre otras muchas, de la transformación de los espacios públicos en interfaces digitales. Así lo planteo en ADN.es | Ciudades enredadas.

El spam es uno de los principales problemas que plantea la propia naturaleza abierta de Internet. Las ventajas de las bajas barreras de entrada y el rápido y fácil acceso a los usuarios hace que el correo electrónico y la propia web en todas sus formas (blogs, foros, …) se conviertan en campo de operaciones del spam digital.

En paralelo, la arquitectura, o al menos alguna de sus especializaciones, lleva camino de convertise en una forma de diseño de interfaces. Las fachadas se convierten en pantallas en las que fluye de modo continuo información a la que pueden acceder los usuarios de la ciudad. Pero al igual que la ubicuidad de Internet hace extremadamente sencillo que el spam llegue a los usuarios (otra cuestión es que sea efectivo), la ubicuidad de las pantallas digitales en edificios y espacios públicos las convierte en una oportunidad para el desarrollo de una nueva forma de basura: el spam urbano.

El concepto se acuñó hace ahora ya unos años perola inminencia de esta nueva “revolución arquitectónica” lo convierte ahora en un peligro inminente. Peter Hall ha analizado esta evolución de la arquitectura en un ensayo publicado en Think Tank de Adobe y titulado Living skins: Architecture as interface. El uso de los edificios como pantallas ha sido abordado hasta el momento por arquitectos y diseñadores con ánimo experimental y por artistas que utilizan la piel urbana como otro “new media”.

La imagen muestra un ejemplo pionero de “piel viva”: el proyecto Blinkenlights en que el grupo de hackers Chaos Computer Club (CCC) convirtió en 2001 un edicio de Berlín en una instalación electrónica nocturna que simulaba una pantalla de un viejo videojuego. Eran solo 144 bombillas de 150 wattios pero el efecto era extremadamente sugerente e intrusivo. Por supuesto, esta pantalla era solo un juego de niños antes las posibilidades que nos ofrece la tecnología pocos años después.

La evolución tecnológica ha llevado a que los usos experimentales y artísticos den paso a otros usos en que las fachadas y otras pantallas urbanas funcionan como interfaz rutinario para la visualización de información destinada a usuarios convencionales y, por tanto, potencialmente como medio para la publicidad o para ofrecer información intrusiva y no deseada. En resumen una nueva formna de spam que no deja de ser digital aunque abandone las pantallas de nuestros ordenadores.

Ya en 2006 este video de la agencia de publicidad PSFK alertaba de los peligros del spam urbano (acompañado de esta reflexión en su blog).

En esa misma época, el especialista en márketing Russell Davies empezaba a comentar casos de spam urbano en su blog. Hace pocos días ha retomado estas ideas para publicar una reflexión crítica, motivada por su preocupación por la tendencia a que las las ciudades acaben por convertirse en pastiches llenos de los equivalentes a los banners en flash o los pop-ups. Si estos son ya suficientemente incómodos en las pantallas de nuestros dispositivos personales, su extensión a los espcios públicos podría ser terrible. En este sentido, para Davies existen dos factores especialmente preocupantes. Por una parte, el desarrollo de interfaces arquitectónicas ha preocupado hasta el momento solo a los tecnólogos, pero parece existir muchos menos trabajo y reflexión sobre su efecto sobre el mundo de la publicacidad y el márketing. Por otra parte, hasta el momento las experiencias de publicidad urbana que han aparecido en los sistemas de transporte públicos (como las pantallas en metros o autobuses) no parece haberse adaptado a la nueva naturaleza del soporte y no hace más que replicar los modelos ya conocidos en los medios de comunicación de masas.

Sobre spam urbano (quizás con otra denominación) oiremos hablar, y mucho, en el futuro inmediato, y los especialistas en computación ubícua y locative media empiezan a mostrar sus ideas y preocupaciones. Así, Adam Greenfield ha realizado dos buenas reflexiones sobre la misma cuestión. En Data-driven, realtime advertising: The aura of approach, explica como algunos medios empiezan a explotar ciertas posibilidades de la información digital en tiempo real pero no siguen usando canales convencionales. Su comentario analiza el caso de un anuncio en prensa en que, en respuesta al caos que ha supuesto la puesta en marcha de la nueva terminal 5 de Heathrow, British Arways proporciona información casi en tiempo real sobre la eficacia del sistema. Greenfield entiende que el futuro de la publicidad pasa por aquí, pero que BA ha equivocado el canal. Si este mismo anuncio utilizase canales online, como la telefonía móvil o pantallas situadas en espacios públicos, podría porporcionar información constantemente actualizada. En cierto modo dejaría de ser publicidad para convertirse en información. Este ejemplo puede considerarse la cara amable de la publicidad digital urbana.

Pero en More on interactive advertising: Better be careful what you wish for nos muestra la otra cara, la publicidad intrusiva y el spam. Así, algunos proyectos arquitectónicos experimentales proponen usos perversos de las pantallas en arquitectura, regulando por ejemplo el grado de transparencia de las ventanas-pantallas en función del nivel de consumo de los habitantes de los apartamentos. Un sistema informático que utilice etiquetas RFID en productos de consumo podría liberar a los usuarios de molestos anuncios en sus ventanas solo si su nivel de compra es considerado aceptable. Por el momento es pura especulación, pero de hecho la tecnología ya lo permite. Quizás el caso de Sao Paulo, donde el ayuntamiento ha prohibido la publicidad en espacios públicos, se considere en el futuro como el primer filtro antispam urbano que se ha puesto en práctica dado que por la vía de la regulación han intentado (y por el momento logrado) acabar con el spam urbano.

Si no puedes con tu "enemigo" ... pregúntale

Si quieres “vencer” a tu enemigo, o trabajar con tus “amigos”, necesitas ponerte en su lugar, tener empatía, para comprender su comportamiento y sus razones. Por tanto, como planteo en Soitu.es | Piel digital, si tu negocio ve amenazado por las redes P2P la única solución es: Pregunta a los piratas.

En Internet funciona la ambigüedad del térrmino free, que por una parte refleja la libertad de la red y sus consecuencias generativas y por otra identifica modelos de negocio basados en la gratuidad. Si tomamos la segunda acepción, “free as in free beer”, además de modelos de negocio nos encontramos con multiples usos heterodoxos, alegales o ilegales de los contenidos digitales. Es este un territorio amplio y confuso en el que aparece una enorme diversidad de prácticas de los usuarios y las comunidades digitales y diferentes legislaciones nacionales. No pretendo aquí cartografiar este territorio pero si fijarme en el papel de los “piratas”, ya sean aquellos que se reconocen como tales o los que son tipificados así por las industrias con intereses en la red. De hecho, es este un término con el que muchos enemigos de la diversidad, la libertad y los modelos de negocio basados en lo gratuito (y la legalidad) intentan hacer tabla rasa y designar a todos aquellos que usan Internet de acuerdo con todas sus posibilidades. Su intención es que todas las prácticas propias de una economái de la abundancia sean consideradas ilegales y así las industrias de la escasez puedan sobrevivir… Algo parecido, pero con más motivaciones de control político, sucede con el término hacker.

Pero, la demonización de los piratas puede acabar convirtiéndose en un efecto boomerang. Por una parte, la bandera pirata se ha convertido en un símbolo para muchos en la red. Por otra, algunos científicos sociales recuperan en los últimos años el interés por los piratas clásicos, aquellos que en los siglos  XVII y XVIII constituían comunidades y redes que funcionaban al margen del orden establecido y que aplicaban sistemas de gobierno mucho más democráticos y libres que la inmensa mayoría de gobiernos de la época. Por ejemplo, el blog Freakonomics se ha ocupado de los piratas clásicos, de su economía y de su forma de gobierno, que utilizan como inspiración para analizar la sociedad contemporánea. La importancia de los piratas va más allá de su uso peyorativo y no en vano el reciente libro de Mat Masson dedicado a analizar la reinvención del capitalismo en la era digital se titula The Pirate’s Dilemma. How youth culture reinvented capitalism. Sus argumentos son sencillos, los piratas digitales contemporáneos, sean legales o ilegales en sus prácticas (y no olvidemos que una misma práctica puede ser legal en un país e ilegal en otro como es el caso de las redes P2P sin ánimo de lucro), están modificando rápidamente las reglas del juego económico. Los intentos de erradicación legal han sido poco existosos, en el mejor de los casos, y contraproducentes en otros muchos. Por tanto, todos aquellos implicados en las industrias digitales harían bien en empezar a entender las motivaciones y el comportamiento de “sus piratas” para tratar de adaptar sus modelos de negocio a la nueva realidad.

Esta ha sido la motivación de Cliff Harris, el diseñador de videojuegos tras Positech Games, para lanzar un experimento en que trata de comprender a la gente que piratea sus videojuegos. Harris comprendía el pirateo en el caso de productos caros, pero no en situaciones como la de sus juegos, en la que el precio es considerado ya bajo y razonable (unos 20$ por juego). En Talking to ‘Pirates’, tal como comenta Kevin Kelly en The Technium (Why people pirate stuff), explica como abrió una conversación online con potenciales piratas para preguntarles por sus motivaciones. Lanzó en su blog. la pregunta "¿Por qué al gente piratea mis juegos?" y la difundió en diferentes foros, como Slashdot , Penny Arcade, Ars Technica, Digg y Bnet. La respuesta fue masiva con cientos de comentarios, y muchos de ellos largos y con argumentos concienzudamente elaborados. El propio Harris ha hecho un excelente esfuerrzo de síntesis y clasificación de las motivaciones. Existen dos grandes tipos de respuestas: las políticas y las pragmáticas. Las primeras fueron minoritarias y solían argumentar contra todo tipo de propiedad intelectual (de forma, en opinión de Harris, poco convincente). Pero las respuestas pragmáticas fueron las realmente interesantes al identificar las causas de una práctica digital muy común, aunque posiblemente no sorprenderán a casi nadie con cierta experiencia en Internet.

Los dos argumentos principales de los piratas son las dos caras de una misma moneda: precios demasiado elevados o calidad baja de los juegos (en relación al precio). Además, el uso de sistemas DRM (sistemas de gestión de derechos digitales) o la ausencia de canales de distribución digital son otras razones para preferir piratear un juego antes que comprarlo (el juego pirateado se obtiene de modo más rápido y sencillo y su instalación menos complicada). Cliff Harris parece haber aprendido de la experiencia y en el mismo post explica como va a modificar su modelo de negocio a partir de estas respuestas: eliminará por completo los sistemas de DRM, ampliará la jugabilidad de las demos, reducirá el precio (hasta menos de 10 $) y aumentará la calidad de sus productos

El caso de Harris y Positech Games es limitado en sus consecuencias. Al fin y al cabo es un diseñador solitario con escasa capacidad para oponerse a sus piratas pero también para hacer cambiar a la industria. Pero, es un ejemplo paradigmático de como se puede aprender de los usuarios para mejorar el modelo de negocio y, finalmente, su propia rentabilidad. Muchas otras industrias que pretenden sobrevivir y crecer en el ecosistema digital harían bien en repetir este tipo de experimentos y, de paso, entender la historia de la piratería … marítima y digital, que tienen más en común de lo que habitualmente parece.

Diseño para la complejidad: empatía, prototipado y storytelling

IDEO es de algún modo la imagen de marca del pensamiento de diseño. Han pasado de diseñar objetos a los servicios y ahora además están inmersos en el proceso de diseño de espacios y organizaciones. En esta evolución han debido desarrollar una metodología apropiada que va más allá de los límites estrictos de lo que habitualmente se considerada diseño y consultoría. Dos de sus diseñadores, Adam Mack and Aaron Sklar, explican de un modo sencillo su método de trabajo en el artículo Greater good (pdf) que ha aparecido en la revista newdesign. A través de ejemplos de su propia experiencia, en especial en proyectos en que se busca el impacto social y el desarrollo humano, definen los tres procesos básicos en que se fundamenta su estrategia: empatía, prototipado y storytelling.

Estos elementos muestran la convergencia de estrategias para tratar problemas complejos que afectan a colectivos amplios y diversos. Estos problemas no se resuelven con soluciones simples (que se puedan diseñar completamente "in vitro" o en el laboratorio) y sin la participación directa y activa de los futuros usuarios. En estos casos, es necesario conocer a las personas para las que se diseña (con mayor profundidad de lo que permiten los datos demográficos o las encuestas), explorar rápidamente y repetitivamente los diseños mediante prototipos (más allá de los modelos en papel o digitales), y contar la historia de un modo atractivo y convincente que provoque el interés y la involucración de los usuarios (superando la comunicación unidireccional y el márketing convecional). Estas son las definiciones de Mack y Sklar de estos procesos:

1. Empatía:

… empathy is the process of getting to know the experience of the very individuals that a new and improved product, service, or space is intended to benefit.

2. Prototipado rápido e iteractivo:

The next step is concept generation and refinement, or, in design terms, prototyping. The design approach to prototyping - rough, rapid, and iterative - can bring great value to social impact projects. Prototyping allows for quick and inexpensive exploration of potential solutions to design challenges. The best way to test out a series of brainstorm concepts is to make them real. They can take the form of physical models or role-played experiences …

3. Storytelling

… a great concept can rarely stand on its own. To truly achieve the desired impact, the concept must be accompanied by a compelling story that connects all stakeholders to the powerful mission of the project. Here, design’s third foundational element, storytelling, can become our biggest contribution…

Storytelling brings prototyping and empathy together to create a compelling message that can inspire action and ensure implementation and support. Designers are often fluent in a variety of media to convey the message: printed material, photo and video, digital interactions, environments design, and person-to-person communication all make up the comprehensive battery of tools we use to deliver a concept.

Para explicar la importancia de contar buenas historias, utilizan el ejemplo del concurso Innovate or Die, organizado por Google y Specialized, que ganó un equipo de IDEO con su proyecto Aquaduct, una bicicleta que transporta, filtra y alamacena agua (en este blog se proporcionan más detalles). Un elemento importante del éxito de la propuesta fue la capacidad del equipo para contectar con la gente contando la historia y conversando sobre el proyecto con los futuros usuarios. Por ejemplo, este video ha recibido más de 750,000 vistas en YouTube:

Victor Lombardi publicó recientemente un excelente tutorial breve para contar historias, How To Tell A Story, basado en el manual de storytelling de Barry McWilliams, Effective Storytelling: A manual for beginners.

Historias alternativas para el “Nido de Pájaro”: colaboración, remezcla y arquitectura audiovisual

Pasaron las Olimpiadas. Casi nadie parecía finalmente tener demasiado interés en que este evento global no fuera un éxito. La mayor parte de los conflictos que amenazaban a la organización fueron desactivados y silenciados tanto dentro como fuera de China. En ADN.es | Ciudades enredadas intenté abordar uno de los debates más marginales en esta historia olímpica. A través de la Historia alternativa del Nido de Pájaro recupero algunas de las interpretaciones que para mi son más originales e interesantes sobre el significado y la función de la arquitectura de los grandes iconos que han servido de escenario y símbolo a las Olimpiadas de Pekín. [Complementariamente, Edgar González, en Los adentros del nido, nos lleva hasta Beijing Ago 08 Ocaña - a set on Flickr, donde puede verse la documentación fotográfica del Nido de Pájaro realizada por Manuel Ocaña y Carlos Arroyo].

La arquiectura es una actividad esencialmente colaborativa en la que equipos de arquitectos, ingenieros, diseñadores … trabajan conjuntamente para desarrollar un proyecto. Paradójicamente, es la figura del arquitecto estrella como genio individual y, en cierta forma, asilado aparece habitualmente como responsable único de una obra la que ha ganado fama. Aún así, la emergencia de la colaboración como forma creativa y modelo organizativo ha sido revitalizada por las tecnologías digitales y la arquitectura no ha sido totalmente inmune a estas tendencias. Así, algunos empiezan a hablar de arquitectura de código abierto y estas ideas se extienden al ámbito de la gestión urbana.

La historia de uno de los últmos, en términos estrictamente cronológicos, iconos globales de la arquitectura puede ayudar a desvelarnos la naturaleza compleja, y en ocasiones ambigua, de la autoría de un diseño. El Estadio Nacional de Pekin conocido como “Nido de pájaro” (en el sitio oficial de los Juegos Olímpicos, sitio del Bird’s Nest)  se ha convertido en el símbolo de los Juegos Olímpicos de Pekín y, para China, en el icono máximo para exponer al mundo su desarrollo y modernización.

Buena parte del valor simbólico se debe tanto a su propia estética vanguardista como a su utilización como escenario y plataforma para un asombroso espectáculo al que pudimos asistir en la ceremonia de inauguración. José Pérez de Lama, ha escrito una crítica esencial en Pekín 2008: Un estadio para 4.000 millones de espectadores: “el estadio olímpico de Pekín y la inauguración de los Juegos Olímpicos que tuvo allí lugar constituyen quizás el acontecimiento arquitectónico y metropolitano global más sobresaliente desde el Guggenheim de Bilbao”. Asistimos a un nuevo caso de arquitectura mediática, de edificios concebidos como parte de una performance híbrida: por una parte actores y teatro se combinan con pantallas y elementos digitales, y por otra más de 90,000 espectadores “analógicos” vivían la ceremonía junto con otros 4,000 millones de consumidores digitales (y de hecho, el espectáculo parecía más pensado para esta inmensa mayoría que para la minoría que se encopntraba en las gradas del estadio). El Nido de Pájaro corresponde a una forma de arquitectura en la que la principal función del diseño es servir de interfaz estética e infraestructura a una ceremonia que se quiere global:

… me parece de interés interpretar la ceremonia inaugural del los Juegos como el producto principal del proyecto, como arquitectura instantánea, en cierto modo en la tradición fundada en la experimentación arquitectónica y artística de los años 60 y 70; aunque claro, adaptada a las nuevas circunstancias. Esto nos obliga en primer lugar a incorporar al equipo de “arquitectos”, o media-arquitectos, al menos a Zhang Yimou, director de cine y jefe del equipo, y a Mark Fisher, arquitecto de formación y director de escenografía del evento.

Siendo esto así, ¿quiénes son los autores de este nuevo icono arquitectónico? La respuesta inicial sería Herzog & de Meuron, los arquitectos suizos mundialmente reconocidos como autores y responsables. Pero, como bien apunta Pérez de Lama, Zhang Yimou y Mark Fisher son la otra parte del equipo arquitectónico (o Herzog y de Meuron parte del equipo mediático). Pero, desde esta perspectiva, la propia estética del estadio adquiere un valor fundamental esencial y en este ámbito surgen nuevos responsables ensenciales para entender el proyecto.

El diseño del estadio fue consecuencia de una colaboración del equipo suizo con el artista chino Ai Weiwei (wikipedia, blog en mandarín). Este detalle ha llegado mínimamente a los medios de comunicación de masas, pero si ha sido reconocido extensamente en los análisis más profundos. La figura de Ai Weiwei es central para entender este proyecto tanto por su propia trayectoria artística como por su postura política, muy crítica con el gobierno chino. En esta entrevista aparecida en Ring, el blog de The New York Times sobre los Juegos Olímpicos, explicó poco antes de la inauguración el proceso de diseño del estadio y sus razones para no asistir a la ceremonia, un gesto crítico hacia la falta de democracia y libertad en su país. Por su parte The Observer, Cultural revolutionary, denominaba a Weiwei como el Andy Warhol chino. Un crítico permanente e incisivo del régimen político tras sufrir las consecuencias de la revolución cultural que provocó el encarcelamiento de su padre poeta y su propia emigración a Estados Unidos. Weiwei es un artista multidisciplinar que utiliza como medios la escultura, la fotografía, el cine, la arquitectura … y un crítico artístico y político desde su propia obra y su labor editorial y como blogger. Para conocer en mayor profundidad el trabajo de Ai Weiwei (y por tanto algunos de los orígenes del propio Nido de Pájaro) es muy recomendable consultar la larga entrevista que apareció en Archinect en 2006, Ai Weiwei: Fragments, Voids, Sections and Rings:

Ai usa un conjunto de tácticas para la producción de su trabajo: minando el significado de los artefactos ya existentes, atacando las jerarquías ya establecidas de poder, privilegiando el conocimiento vernacular ya desarrollado y simplemente dejando que las cosas sucedan. En los últimos años se ha acercado más a la arquitectura, comenzando con el diseño de su propio estudio …y la colaboración con los arquitectos Herzog & de Meuron en el Estadio Olímpico de Pekín.

En paralelo a su trabajo arquitectónico y escultórico, es especialmente interesante su trabajo fotográfico que ha ido documentando el proceso de transformación urbana de Pekín. Por otra parte, su propio estudio y galería se han convertido en uno de los orígenes de uno de los barrios más creativos de Pekín, el 798 Art District, sobre el que ha escrito (primera parte) Regine Débatty.

Las tácticas de apropiación de objetos y estructuras pre-existentes para dotarlas de nuevos significados, o para hacer aflorar significados ocultos, parecen apoyar una hipótesis alternativa sobre la autoría del diseño del Nido de Pájaro. Herzog, de Meuron y Weiwei son necesarios pero no suficientes. Scott Burnham, en Who *really* designed Beijing’s Olympic Stadium? (comentado en Archinect) ha lanzado una teoría altamente provocadora al situar el origen de este diseño el las prácticas cotidianas de los trabajadores inmigrantes que desarrollan su labor en las innumerables obras que se construyen en Pekín. Burnham, que ha pasado largas temporadas trabajando en Pekín, comenta que en los innumerables edificios en construcción que se pueden encontrar en la capital china no cuentan con sistemas e infraestructuras de protección formales. Por esta razón es habitual que los propios trabajadores instalen densas mallas con tablones de madera en las ventanas superiores. Una función secundaria es evitar que los pájaros aniden en edificios abandonados. El patrón de las mallas parece responder a una estructura muy similar a la que podemos observar ahora en el Estadio Nacional.  Burnham propone la hipótesis de que los diseños de Weiwiei han estado inspirados por estos diseños “accidentales”, y esta táctica estaría totalmente de acuerdo con el apropiacionismo que reivindica el propio artista.

Esta imagen muestra las estructuras que utilizan los trabajadores en los edificios en construcción y la siguiente el aspecto del Nido de Pájaro durante su construcción:

Por supuesto todos, Herzog, de Meuron, Weiwei, Siher, Yimou y los miles de trabajadores anónimos, tienen su parte en la concepción de este diseño. Sin embargo la “gloria arquitectónica” esté reservada a los autores a los que podemos reconocer individualmente. Pero en todo caso, las hipótesis de Pérez de Lama y Burnham tienen la virtud de descubrirnos muchas más claves sobre la propia naturaleza del edificio y su explicación política y urbana. El nuevo Pekín se construye para conectarse a un mundo global e híbrido de modo frenético e imparable sobre las ruinas de los barrios tradicionales, hutongs, por una masa de trabajadores anónimos (categoría en la que deberíamos incluir a la mayor parte de arquitectos). El ritmo de creación y destrucción necesita de tácticas dotadas de ciertas dosis de creatividad , y así sobre la marcha se desarrollan medios de protección que, al final, acabarán siendo transformados en iconos para “4000 millones de espectadores”.

"Cal viva, cal morta". Estreno en Santiago

La transformación (y en gran parte, desaparición) de la Galicia rural es un proceso complejo que no puede entenderse desde el romanticismo o la utopía. Se necesitan análisis objetivos que expliquen esta evolución cultural, social y económica desde múltiples puntos de vista y son aún más necesarias formas de comunicación que permitan salir fuera de los círculos expertos y generen interés y debate entre la población. Esto han intentado, y creo que logrado, el artista audiovisual Mariano Casas (canal en YouTube) y el antropólogo Duarte Fernández (con el que tenemos la fortuna de poder trabajar en Fismare) al documentar en una película un oficio tan poco conocido como el de los “caleiros”, los responsables de la industria de la caliza que floreció en la Mariña central y que ahora se encuentra en regresión y, posiblemente, próxima a su extinción por los cambios tecnológicos y culturales.

El próximo jueves 11 de septiembre a las 21 horas se estrena en Santiago su documental “Cal viva, cal morta, a derradeira festa”. La cita es en el Teatro Principal, tras su presentación en Mondoñedo y Ourense hace unos días. Esta es la presentación de los autores (noticia en el sitio de la Academia Galega do Audiovisual):

Esta peza documental, de 48 minutos de duración, é unha interesantísima ollada á vida dos derradeiros CALEIROS, sobreviventes ata hai pouco dun milenario oficio, que consistía en cocer pedra caliza durante días nunha enorme cheminea, obtendo así o cal.

Deste oficio, que supuxo unha incipiente industria da que vivíu moita xente na zona da Mariña Central, apenas quedan erguidas unha ducia de caleiras, algunhas delas en moi mal estado de conservación. Esta ruindade material é o primeiro síntoma da desaparición dunha cultura que viu no coñecemento dos usos tradicionais do cal, unha forma de subistencia e posterior desenvolvemento.

Os últimos caleiros, homes xa octoxenarios, fixeron  unha derradeira QUEIMA, para que o oficio que coñeceron en vida non morra con eles. Esa queima foi unha gran festa na que a xente de Masma (Mondoñedo) contou en primeira persoa o que fora esta dura e fermosa labor.

Esta noticia en La Voz de Galicia a raíz de su estreno en Mondoñedo proporciona más detalles sobre la historia de este oficio:

Mondoñedo dirá adiós el sábado, con la proyección de un documental (a las ocho de la tarde en la Casa da Xuventude), a un oficio ya en desuso desde la década de los setenta, y recuperado el pasado verano con una gran fiesta en la parroquia de Masma. Allí llegaron a funcionar doce hornos para la fabricación artesanal de cal viva que servía como mortero y revoque en la construcción, para desinfectar las cuadras del ganado y las aguas, y que en la agricultura se usaba como fertilizante para rebajar la acidez del suelo. El oficio de caleiro se transmitió durante generaciones y toneladas de cal fueron exportadas de este municipio lucense en carros hacia otras comarcas, e incluso en camiones hasta ciudades tan alejadas como A Coruña.

Además podéis ver un trailer en YouTube.