nómada, blog de juan freire

Esquinas, geometría y vida urbana ... mi último post en ADN.es

Para completar mi despedida de ADN.es y de mi blog Ciudades enredadas, no quería olvidar el último post, Esquinas, geometría y vida urbana, que apareció allí ya a finales del año pasado y que refleja el tipo de proyectos, historias y procesos que me interesan y que traté de ir incorporando a ese catálogo de hechos urbanos que fui construyendo.

Richard Howe ha tenido una larga carrera como músico (llegando a trabajar con John Cage), pero es su faceta como fotógrafo el que lo trae aquí. Desde Marzo a Noviembre de 2006 se empeñó en una aventura urbana peculiar y apasionante, al menos para los que les atraen más las psicogeografías urbanas que las geografías convencionales. Durante 9 meses realizó un "retrato fotográfico exhaustivo de la vida cotidiana en las calles de Manhattan". De aquí surgió The Manhattan Street Corners, donde se recogen todas las esquinas de las calles de Manhattan en Nueva York en unas 11000 fotografías (aunque como comenta en el sitio del proyecto, cuando pretendemos ser exhaustivos la definición de esquina comienza a ser ambigua en algunos casos).

La galería digital incluye por el momento la mitad de las fotografías y continua el proceso de postproducción (que incluye su catalogación y etiquetado). La edición digital completa, acompañada de índices y etiquetas para su exploración estará disponible en 2009 (pero ya es posible adquirir fotografías y series en papel). Es previsible, o al menos deseable, que su interfaz gráfica ofrezca la posibilidad de navegar por mapas de Manhattan. La posibilidad de combinar rutas y etiquetas temáticas abre múltiples posibilidades de exploraciones psicogeográficas del espacio urbano de Nueva York a través de sus esquinas. ¿Por qué precisamente las esquinas? De nuevo debemos regresar a Nueva York para encontrar la respuesta. En Cornerville, un reciente artículo en The New York Times, se explica el significado espacial, social y psicológico de las esquinas en la ciudad de Nueva York y, posiblemente, en cualquier otra ciudad del mundo. En última instancia es la propia realidad geométrica de una esquina, como punto de bifurcación, la que marca su papel urbano: espacios de diversidad, de incertidumbre, de aglomeración de usos y experiencias. Las esquinas se convierten en microconcentradores de la vida urbana.

Por el momento mientras no se finaliza la versión digital y se ofrecen nuevas opciones de navegación, podemos quedarnos con alguna de las múltiples galerías que ya se ofrecen. Por ejemplo, las que aparecen en este momento en la portada y que representan la diversidad de las esquinas y por tanto de la propia ciudad y sus habitantes:

Cooper Street & 207th Street, Southwest Corner

Mill Lane & Stone Street, Northwest Corner

Pitt Street & Rivington Street, Northwest Corner

Minetta Street & Minetta Lane, Southwest Corner

Twelfth Avenue, looking South from 135th Street

Gay Street & Waverly Place, Northwest Corner

Elizabeth Street & Spring Street, Northeast Corner

¿Se necesitan las viejas jerarquías para las nuevas interfaces?

He empezado a desarrollar la idea de que la nueva complejidad se encuentra en la superficie, entendida como interfaz. Las “superficies” funcionan como plataformas de conexión y negociación entre personas y organizaciones, tal como proponía en La empresa como interfaz y De la superficie a la interfaz: de la superficialidad a la complejidad. Sorprendentemente, esta hipótesis, aunque expresada de maneras muy diferentes (y en muchas ocasiones en términos negativos), aparece recurrentemente. Existen dos posturas claramente encontradas representativas de dos formas de vivir la cultura digital. Simplificando, probablemente hasta la caricaturización, nos encontramos a los apocalípticos, preocupados por la pérdida de algunos de los valores que son esenciales para nuestra sociedad y cultura, y los optimistas, que defienden las nuevas oportunidades para la creación colaborativa y la libertad individual. En realidad un viejo debate que siempre regresa, ahora revestido de tecnología.

Aquí tenemos un buen ejemplo en tres actos. Son tres artículos aparecidos en prensa en las últimas semanas. En ninguno de ellos, la superficialidad o las interfaces eran los temas principales, pero afloran de una u otra forma como preocupación casi esencial:

1. Entrevista a Manuel Borja-Villel, director del Museo Reina Sofía (MNCARS), en ABCD. Se lamenta del oscurantismo al que nos aboca la pseudo-felicidad en que vivimos la superficialidad provocada por las tecnologías digitales. La ausencia de jerarquías implícita en Internet (que identifica con Google) se dibuja como causa última de estos males.

… me da la impresión de que estamos yendo a una nueva Edad Media.

¿Por qué?

Primero, porque está desapareciendo la memoria. Con el Google sin ir más lejos. Cuando ves a los niños y a los jóvenes, no hacen ejercicios de memoria, sino un «cortar y pegar». La memoria de los historiadores implica siempre una jerarquía, porque significa que siempre hay un hecho más importante. El Google es la «no jerarquía». Y esta falta de memoria se parece a la que hubo en la Edad Media, donde los monjes se dedicaban a recordar, a preservar el conocimiento. Ahora ocurre de otro modo, con una revolución tecnológica.

Pero la Edad Media implicó también oscurantismo, da un poco de pavor todo esto que describe.

Sí, hay muchos modos de oscurantismo, como esta especie de pseudo-felicidad, de superficialidad. Creo que en este contexto, el museo -o la cultura en general- debe hacer un doble esfuerzo: por la paradoja, que es esto que nos descoloca, y por la voluntad de memoria. Obviamente, una memoria que es imposible porque no podemos volver atrás, está claro, no puede ser una memoria lineal sino que es una memoria hecha de «micronarraciones». La memoria del relato, del orador de la Edad Media. Lo explico de otro modo, porque si no, parece muy mesiánico: parece que se abre una puerta que no sabemos hacia dónde va en un periodo que da síntomas de que se está acabando. Creo que una responsabilidad que tienen los intelectuales, sean periodistas, profesores o los propios museos, es apuntar hacia ciertas direcciones.

En el caso de Borja-Villel, parece vivir una experiencia contradictoria por que en paralelo a sus críticas a esta nueva realidad, en la misma entrevista se define como un disc-jockey por su trabajo de gestión y comisariado, lo que recuerda enormemente al concepto de comisarios digitales y al modelo de gestión de organizaciones de “código abierto”, dos elementos clave de la cultura digital.

2. Artículo en ABCD de Fernando Castro Flórez, Autorretratos y colegas, sobre la recién inaugurada exposición De donde no se vuelve de Alberto García-Alix en el MNCARS. La piel funciona como un archivo vital y es el interfaz que comunica esta experiencia a los demás gracias a la fotografía:

… En la piel, en la superficie fotográfica están sedimentados los amores, las separaciones, las resacas monumentales e incluso las heridas. La aventura mortal se proyecta como aventura estética. La ambigüedad del viaje hace que sea al mismo tiempo el aventurero alguien proyectado en el futuro, radicalmente ahistórico, y, por ello, como ejemplifica a la perfección García-Alix, una criatura del presente.

3. Entrevista en El País a la cantante y compositora brasileña Adriana Calcanhotto, con una visión mucho más pragmática, optimista y, en mi opinión, realista de la emergente ausencia de jerarquías:

En la música brasileña se está produciendo un tránsito libre entre estilos, y ya no hay movimientos como la bossa nova o el tropicalismo. "Me parece muy bueno que sea así. Por los medios de producción, al poder hacer tu disco en tu ordenador portátil en casa, las personas trabajan más aisladas", dice. "Hace unos años yo recibía material de compositores y cantantes en el que veías muy nítidamente las influencias. Ya no. Hoy los músicos jóvenes quieren ser ellos mismos. Creo que este cambio tan rápido tiene mucho que ver con Internet. La gente ahora escucha lo que quiere".

Canal Accesible. Arte colaborativo y denuncia en la ciudad

El proyecto Canal Accesible de Antoni Abad es un viejo conocido de este blog, y no es extraño dado que lleva ya 4 años usando la tecnología para algunos de los objetivos que me parecen más relevantes: ‘dando “voz digital” a diferentes colectivos urbanos, marginales o desfavorecidos, en distintas ciudades europeas y latinoamericanas. El (largo) título de su sitio web es la mejor explicación del proyecto: “Mensajeros, migrantes, personas discapacitadas, prostitutas, gitanos y taxistas transmiten desde celulares”’.

Por eso y por que ahora se encuentra trabajando con Personnes à mobilité réduite à Genève 2008, he vuelto a escribir sobre este proyecto en ADN.es | Ciudades enredadas, Arte colaborativo y denuncia en la ciudad. Estos son algunos de los proyectos que comento en ese post y que describen una fascinante evolución tecnológica (con la aparición de la web 2.0, Google Maps o de los móviles con sistemas de geoposicionamiento y cámaras integradas):

• Taxistas de México DF 2004
• Prostitutas de Madrid 2005
• Personas discapacitadas de Barcelona 2006
• Migrantes nicaragüenses en Costa Rica
• Motoboys de Sao Paulo
• Personnes à mobilité réduite à Genève 2008

Siendo fascinante el trabajo de Antoni Abad y sus comunidades de colaboradores, quizás lo más fascinante (¿o paradójico?) sea que siga siendo considerado arte. Por una parte le otorga visibilidad, por otra puede darle una excusa a los que no quieran escuchar el mensaje:

Dos años después del Premio Ars Electronica, Accesible sigue siendo considerado arte, pero como explicaban hace unos días en Dariola.net, donde hacían un resumen de los proyectos desarrollado hasta el momento por Antoni Abad, sus principales logros van más allá de su valor artístico: “Uno de sus logros como explicaba Abad es que este proyecto ha permitido que estos colectivos se organicen.” Los colectivos marginales, por su posición socioeconómica o su discapacidad física, consiguen visibilizar sus problemas y explicar a sus vecinos (y a sus gobernantes) como viven, y sufren, en los espacios urbanos. Solo falta que esos vecinos y políticos acudan a los museos (o navegen por Internet) y empiecen a trabajar por ciudades realmente centradas en los usuarios (y en todos los usuarios).

La aproximación 2.0 a los mejores (y peores) espacios urbanos

En Ciudades enredadas | ADN.es comento dos proyectos que pretenden definir y catalogar Los mejores (y los peores) espacios urbanos:

¿Cómo diseñar y crear un buen espacio público? Parece que no existe una receta basada en la planificación ni el laissez-faire conduce, necesariamente, a buenos resultados. Pero si la teoría tiene una utilidad limitada, ¿por qué no acudir al método inductivo? En lugar de construir una gran teoría de los espacios públicos, identifiquemos los casos positivos y negativos y las causas de su éxito o su fracaso. Hasta ahora este método de “ingeniería inversa” estaría reservado a los expertos (los mismos que no han logrado establecer “la gran teoría”). Pero ahora, la web 2.0 pone en mano de los ciudadanos interesados herramientas para contribuir a esta tarea. De este modo, no es descabellado que los ciudadanos identifiquen espacios públicos que valoran positiva o negativamente, los cataloguen y discutan y construyan un catálogo de principios y factores que determinan el éxito o fracaso. Este tipo de herramientas pueden ser de enorme utilidad para los políticos, gestores y diseñadores, muchos de los que defienden la “participación ciudadana”, aunque por el momento permanecen solo en el plano de las posibilidades no realizadas.

A partir de este planteamiento, han surgido dos proyectos que siguen un modelo crowdsourced y utilizan grupos de Flickr y blogs con la idea final de editar un libro. Andrew Hudson-Smith ha lanzado el proyecto World's Worst Urban Places and Spaces. (grupo Flickr, blog). Complementariamente Dan Hill, de Cityofsound, y Russell Davis crearon el grupo en Flickr World's Best Urban Spaces & Places (más información en Best Urban Places and Spaces: Update).

Como ejemplo de los peores espacios, la ventilación de un tunel en el norte de Liverpool:

 

Entre los mejores espacios, el barrio de Boca en Buenos Aires:

Más detalles e imágenes en los sitios de los proyectos y en Ciudades enredadas. Más allá del interés de los contenidos, es interesante la aproximación que se sigue para la definición y clasificación de los espacios públicos:

Estos dos proyectos son interesantes por si mismos pero sobre todo como modelo alternativo de debate y construcción de conocimiento alrededor de los espacios públicos en los que los usuarios pueden participar activamente. La calidad de las propuestas dependerá en gran medida de la capacidad de convicción de los “promotores” que, a su vez, se convierten en comisarios encargados de filtrar y organizar los contenidos y el conocimiento generado. Por supuesto este proceso curatorial no estará libre de polémicas, pero el modelo permite una gran flexibilidad en la definición de los papeles de los expertos y los usuarios. Todo lo contrario a lo que sucede habitualmente cuando se debate sobre espacios públicos o se planifica una ciudad.

Electroboutique: Media Art 2.0. ¿Reinventará el capitalismo?

Electroboutique: Media Art 2.0 es un proyecto de Aristarkh Chernyshev (Shining-tv y Artinfo.ru), Roman Minaev (Trashconnection) y Alexei Shulgin (Easylife.org y Runme.org)que se presenta en estos días en Transmediale 08 (anuncio en el programa) en Berlín (vía Bruce Sterling).

Parece nacer como respuesta a las “imposiciones capitalistas” a la creación artística. Pero su propuesta se desarrolla en Internet y usa la web 2.0 (como herramienta y como metáfora), que no son más que los hijos (más o menos bastardos) del propio capitalismo, lo cual ya es un buen punto de inicio para la crítica y el debate:

Today, when any critical artistic statement is drained of its power within the rigid frameworks of the unilateral capitalist world, a critical artist can no longer create while contemptuously looking down at commercial art and design that is governed exclusively by market laws.

At the same time as it becomes smarter and more refined, capitalism intrudes into most revolutionary, autonomous, and secluded areas of human activity. This is not to suggest that avant-garde art creation always stood in opposition to capitalism. The modernists, taking part in the evolution of design, worked in factories developing furniture and fabrics in order to bring art to the masses. Parallel to the evolution of Dada, the ready-made, and later, pop art, the theory and philosophy of art and culture contemplated the balance between the poles of capitalism and art, unique and mass-produced objects, high and low culture, professional and amateur, practical and dysfunctional. As the newest weapon of capitalism, information technologies dictate new social and cultural contexts and within these, uncover new challenges.

Our answer to the dilemma: Media Art 2.0

Pero además la crítica al sistema económico y político es el punto de partida de una propuesta de reinvención de los mercados del arte (esta podría ser una de las razones del éxito del capitalismo, que sus críticos son los más activos hackers del sistema para crear nuevos modelos de capitalismo, mucho más refinados y eficientes). Electroboutique nace como superación del denominado new media art. Es paradójico que algo se pueda denominar “new” durante tantos años y que al tiempo siga manteniendo unos canales (museos y galerías) y sistemas de financiación (la copia material, usando soportes ya obsoletos, de algo inmaterial) más tradicionales.

La solución de Electroboutique pasa por la construcción y comercialización de nuevo hardware, especialmente diseñado como soporte de las obras. Si el new media art se comercializa, por ejemplo, como copias numeradas fotografías en papel o de un DVD de un vídeo que ya se pueden distribuir (y consumir) sin pérdida de calidad por la red, el media art 2.0 crea soportes específicos que mejorarían la experiencia del espectador. Los resultados nos mostrarán si estos nuevos interfaces aportan realmente algo diferente a la experiencia o son simplemente una forma de materializar creaciones que se han vuelto en gran medida inmateriales y, por tanto, de hacer escaso el conocimiento digital que, por su propia naturaleza es abundante y tiene un coste marginal de producción y distribución próximo a cero.

La información, y sus copias, quieren ser libres (y muchas veces gratuitas), pero los artistas quieren vender su arte. ¿Reinventará este conflicto la economía de la abundancia?

Media Art 2.0 goes beyond the limits of new media art

New media art today consists overwhelmingly of one-of-a-kind works presented by the authors themselves at festivals and specialized exhibitions. As a rule, such pieces are high-maintenance and complex in configuration -- and thus are destined to remain in a media art ghetto. We propose all-in-one plug-and-play solutions. Media Art 2.0 presents art objects as technological products that are ready to be consumed here and now by anyone.

Media Art 2.0 is market-friendly art

We produce a limited number of copies (like Ferrari) and sell them at affordable prices (like Sony). This is possible because we develop our own reliable electronic devices and thus do not depend on overly complex multi-functional digital systems. Each piece has a unique edition number and the authentic signatures of its authors. We also offer limited lifetime warranties for our products.

Media Art 2.0 goes beyond the know-how of IT corporations

These corporations are not capable of transcending the pragmatism of their products. While attempting to enrich their products with artistic qualities, corporate designers follow the path of banal adornment -- decoration with gold, Swarowski crystals, and diamonds -- which raises the price and renders the products "exclusive." Such an approach does not make a mobile phone or an MP3 player a work of art. Limited lifetime of electronics contradicts the apparently "eternal" value of the decorative materials.

Media Art 2.0 is the answer to the stagnation of the art market

It proposes a solution when the art market acquiesces to the demands of traditional art forms and is incapable of digesting truly contemporary artistic ideas. Our products harmoniously combine actual art, up-to-date techno-culture, design, and media art. We return to the roots of the avant-garde and occupy our own niche in the system of capitalist production and consumption. We address advanced consumers who are not satisfied by mass products -- whether cool design gadgets or the endlessly reproduced traditional art forms.

Media Art 2.0 is the avant-garde of today

We return to art the things that design borrowed from art at the beginning of the 20th century: the search for new form and content; the artistic experiment as play; and the joy of everyday life. We live in a world of visual interfaces. Televisions, print advertisements, politics, shop-windows, show-business, internet services, bank systems are primarily interfaces whose task is to shape the process of information transfer and the translation of ideas. Working with visual interfaces, we make them visible and tangible. We uncover the structures of today's world. This approach fills our products with a critical charge. In answering the challenges of today, we flush clean the media channels and establish new standards. By infiltrating public spaces and private homes, we bring art and alternative aesthetics into people´s everyday lives.

Ciencia ficción, arte y escenarios urbanos: el presente como inspiración

La ciencia ficción ha sido el territorio de la especulación urbana casi siempre distópica (y muy pocas veces utópica),del diseño de ciudades más o menos improbables, y dominadas (o dominables) en mayor o menor medida por la tecnología. Pero, puede que una parte de la “ciencia ficción urbana”, la mejor y que en ocasiones acaba siendo catalogada como arte, se inspire directamente en la ciudad contemporánea si el observador se atreve a adentrarse en su interior.

Con el inicio de 2008 salió a la luz io9, el nuevo blog de ciencia ficción de Gawker. En estos primeros días nos desbordan sus contenidos creados por un equipo liderado por Annelee Newitz y un interersante grupo de autores, entre los que se encuentra Geoff Manaugh, responsable del maravilloso BLDGBLG. Entre sus posts empiezan a aparecer, inevitablemente, los resultados de la convergencia del arte digital, la ciencia ficción y la especulación urbana.

En Stackable City Of the Oddworld Dead se comenta el trabajo del diseñador y artista conceptual Rob Brown, que ha desarrollado los escenarios del videojuego Oddworld, y especialmente del nivel Necrum:

… you come across a city of the dead called Necrum. It's a very creepy place, as you can see from this artwork, and looks like a landscaper's nightmare. Just scaling those palm tree tower things along would be fairly death-defying, and that's just if you could manage to quit looking at the Chuck-Jones-on-acid landscape.

En The Ghosts Of Tomorrow's Mega-Cities  aparece el trabajo del fotógrafo Peter Bialobrzeski con las megaciudades asiáticas. Además incluyen una fotogalería, procedente de sus libros Neon Tigers y Lost in Transition, donde se muestra como lo contemporáneo puede ser la mejor ficción:

Photographer Peter Bialobrzeski used to take bright photos of Asian mega-cities. But a few years ago, he stumbled on something more other-worldly: the ghostly look of an Asian construction site at dusk. Because Asian countries use super-fast construction techniques that aren't found in his native Western Europe, Bialobrzeski saw tons of skeletal structures in the gathering dark, with the occasional sign of nature.

Palla es el nick en Internet del arquitecto y fotógrafo japonés Kazuhiko Kawahara, que “construye” escenarios urbanos caleidoscópicos mediante la manipulación digital de fotografías de edificios y grandes estructuras. Como explican en el número de diciembre de 2007 de Wired, Get Lost in Photographer Palla's Kaleidoscopic Images of Japanese Cityscapes, Palla es un “nativo digital” que desde 2002 ha trabajado con herramientas digitales y ha difundido su obra en Internet (y desde aquí ha llegado al mundo de las galerías de arte):

In 2002, Palla began digitally manipulating urban snapshots and posting them on his blog, Pallalink.net. This led to a little ad hoc crowdsourcing: Site visitors left remarks and suggestions that Palla channeled into his art. "Thanks to everyone's comments," he says, "the quality of my work has gotten better."

Wired incluye contenidos adicionales en este especial para su web, Shoot and Twist. Entre ellos la fotografía The Unfold Cityscape (abajo) que ha donado para su uso en la película de código abierto A Swarm of Angels (de la que hablamos aquí).

Palla distorsiona la aparente realidad de las ciudades contemporáneas y las transforma en escenarios propios de ficción. En realidad su obra es una lectura profunda de la realidad urbana en que vivimos, tal como explica en esta recomendable presentación online.

El 4 de Enero El País publicó un artículo sobre Palla, Retratar, cortar y pegar la ciudad sin límites, donde narran su historia, explican los detalles técnicos de su trabajo y comparan su obra con la de Escher. Los parecidos son más formales que conceptuales; mientras uno se sumerge en el surrealismo, el otro navega en la hiper-realidad:

En su búsqueda por revelar qué se esconde detrás de las fachadas, Palla, como Escher, compone verdaderas conjeturas matemáticas. "No me interesa el surrealismo de las obras de Escher. Prefiero la simpleza de su técnica y cómo construía sistemas complejos partiendo de la racionalidad matemática". No obstante, existe una notable diferencia entre los dibujos del holandés y las piruetas fotográficas de Palla: en el mundo del japonés no hay personas, tan sólo edificios, caleidoscopios que investigan lo que se oculta detrás de la monotonía de los muros y los adoquines. "Me crié en el área portuaria e industrial de Osaka, una zona desolada y en crisis, y crecí sabiendo que la habían olvidado. Mis imágenes captan esos muros abandonados porque quiero analizar cómo y por qué el recuerdo se borra en ciertos lugares".

Realidad y tecnología, en Generación Red

Esta semana, en Generación Red, exploro un cambio tan fascinante como desconocido en nuestra percepción de la realidad: La fotografía digital nos conduce irremediablemente hacia la posmodernidad. En todo caso, el artículo no es más que una disculpa para empezar a discutir la idea de que es la tecnología lo que nos hace humanos:

La tecnología digital nos acerca a un mundo mucho más complejo, más ambiguo, más incierto, pero también más “real” …o menos. En todo caso, esta evolución si nos aporta una certeza que desbanca un mito largamente aceptado. La tecnología ha dejado de ser una simple herramienta supeditada al bien superior de la construcción del conocimiento científico; la tecnología construye nuestra realidad y, de este modo, nos hace humanos. ¿Serán los científicos unos simples autómatas que ejecutan los programas diseñados por los tecnólogos?.

De espaldas al trabajo, la rutina urbana por Daniel Lobo

Daniel Lobo, que desde Washington DC combina arte, activismo social y urbanismo en Daquella manera, acaba de anunciar su participación en Artomatic con su instalación De espaldas al trabajo (a la que nos invita desde su blog). De espaldas al trabajo es una instalación que se exhibirá en Washington DC durante cinco semanas, pero también es un set en Flickr y un video. Pero, más allá de los formatos, es una combinación de arte, antropología y crítica social:

De espaldas al trabajo es un retrato urbano tomado a lo largo de un año. Un retrato compuesto de gente andado hacia y desde el trabajo.

A medida que se despliega el paisaje de la rutina, De espaldas al trabajo permite arrancar una narrativa social que habla de centros urbanos, la interacción con las ciudades y las características de Washington D.C.

Parte autorretrato, parte antropología económica, la secuencia de momentos en el tiempo se convierte en una mirada a través del tiempo permitiendo aproximarse a areas de identidad, cultura y la estructura de la monotonía.

Daniel también explicó (Arte abierto y autogestionado: Artomatic 2007) qué es Artomatic, un modelo de evento diferente a los habituales, más orientado a la creación y la conversación que a la exhibición como objetivo final: 

Artomatic, la cita para artistas abierta y autogestionada en torno a Washington D.C. arranca este año en dos plantas en obras de las antiguas oficinas de la oficina de patentes estadounidense. Ironías espaciales que me verán a volver a participar junto a más de 600 creativos de la región.

Desde su creación en1999, durante más de un mes artistas visuales, de las artes interpretativas, músicos, poetas... de un modo gratuito y sin más trabas que las que cada participante desee poner comparte sus propuestas. Originalmente creado para romper la estratificación de la escena artística de la zona, acercar el diálogo artístico al público y generar intercambio entre los artistas, Artomatic se ha convertido ya en una de las referencias claves hacia la escena alternativa en la ciudad.

Artomatic junta a novatos y a curtidos profesionales, a preciosistas artesanos y a provocadores conceptuales, callejeros empedernidos y reliquias de galería, pero sobre todo junta. Auna propuestas, genera espacios y contrastes y ofrece un interesante camino a la autogestión abierta artística. Sólo por eso merece el esfuerzo participar y enzarzarse en la serie de interrogantes que la iniciativa vuelve a abrir: desde la capacidad de las propuestas artísticas, a como encaja o condiciona las transformaciones urbanas, y como puede ser utilizado como maquillaje inmobiliario o lubricante social.

Paisajes apocalípticos para un Nollywood gallego

Muy cerca de la ciudad de A Coruña, casi atrapada ya por el crecimiento urbano, se encuentra Pastoriza, un pueblo convertido en barrio del ayuntamiento de Arteixo. Esta tierra de nadie entre fronteras locales se ha convertido en el escenario de un desarrollo caótico de áreas residenciales y zonas industriales en una matriz de eucaliptales y zonas agrícolas testigos de una penosa subsistencia o ya abandonados.

El Parque Forestal Monticaño (algunas fotografías aquí) es una isla, conservada por su uso militar, en esta zona devastada por un determinado modelo de desarrollo resultado de las sinergias perversas de ciudadanos y políticos en la Galicia de las últimas décadas del siglo XX (y, tristemente, de la primera del XXI). Esta isla cuenta con un escaso valor natural, pero permite al menos disfrutar de espacios abiertos en una zona suburbana. Pero su mayor valor puede ser el de consitutir una atalaya que “obliga” a su visitante a contemplar tres tipos de espectáculos paisajísticos que se hibridan de un modo extraño. Este paisaje real y cotidiano podría constituir un excelente escenario de ciencia ficción (de la mejor ciencia ficción, aquella que se ocupa del presente): a un lado el océano con una antesala de laderas que combinan eucaliptales y prados; al otro la ciudad precedida por las enormes chimeneas del complejo industrial de una refinería. Entre ambos un monumento al sinsentido. Un enorme edificio a medio construir (o a medio derruir), cerca de todo visualmente y lejos de todo físicamente. Destinado a acoger a gentes en medio de la nada, sin conexiones ni servicios, que se ha convertido en testigo de una forma de hacer política local y de entender el paisaje urbano.

A muchos les preocupa la estética del feísmo, aunque no tanto sus causas sociales (y prefieren no pensar en las responsabilidades asociadas). Deberían reconsiderar su posición y saber “disfrutar” de estos nuevos paisajes apocalípticos, casi post-bélicos, sin tener que sufrir la apocalipsis bélica previa que parecerían atestiguar. ¿Quién necesita otra Cidade da Cultura cuando disponemos ya de escenarios para un Nollywood galaico?.

Política del uso del espacio urbano: ciencia y arte

El proyecto de Stefano Boeri y Multiplicity, Milano. Cronache dell’abitare, sobre el futuro de Milán que comentamos antes es intersante por su metodología de análisis del uso de los espacios urbanos. El sitio web del proyecto permite explorar, sobre una fotografía aérea de Milán, la organización, estética y vida de la ciudad, combinando texto, fotografía y video.

Sobre métodos de análisis urbano resulta también interesante un artículo publicado ya hace dos años en Harvard Design Magazine donde se revisaba el libro Territories: Islands, Camps and Other States of Utopia, publicado en 2003 como el catálogo de una exposición del mismo título organizada por la galería Kunst-Werke en Berlin. La exposición y el libro presentan diferentes proyectos sobre “la política del espacio”, entre los que destacan varios análisis de la frontera israelo-palestina y los usos políticos del espacio en el contexto del conflicto existente. Boeri es uno de los autores y el artículo describe su metodología (similar a la utilizada ahora en Milán):

Boeri's technique, what he calls “sampling,” favors filmmaking techniques over cartography for excerpting experiences and practices that possess aggressive power. His experiential atlas of the Israeli-Palestinian boundary films the trips of Palestinian cab drivers who have learned to navigate a complex, thick, and ever-changing line. The Israeli side of the border is relatively smooth and traffic-engineered, while the Palestinian side is slow and largely unknowable, given changing roadblocks and control points.

Como contraste, los arquitectos israelíes Eyal Weizman y Rafi Segal, que han desarrollado diversos proyectos sobre la utilización política de la arquitectura israelí, utilizan una metodología basada más en la visualización de información cuantitativa y cartográfica:

Together they have developed a specialized cartography to map Israel's techniques of land acquisition. One cartographic series compiles the continuous contradictory agreements and aggressions that have created a dizzying set of overlapping planimetric borders in the West Bank. Most of these have resulted in isolated enclaves between contested areas. The special cartography also takes a closer look at what first appear to be North American suburban development patterns, the cul-de-sacs of Radburn or a million golf developments around the world. But on the West Bank, these banal instruments develop another aggressive repertoire. They are trained to creep, encircle, and cut off nearby Palestinian territory. They favor linear extensions in the land that create walls or fortifications of Israeli territory, but they also favor isolated points, usually on mountaintops. As a consequence of these and other factors, the cartography must account for the vertical axis. It must stratify what Weizman and Segal call the “flat discourse” of geopolitics to map the conquest of sectional space as well. A vertical cartography maps highway overpasses, water aqueducts, and sewage infrastructure connecting the isolated islands. It also maps a scenographic command over the land that naturally results from the occupation of high elevations and maps the land grabs that sometimes masquerade as archeological claims to sacred sites. Moreover, extending the vertical axis from this below ground space to the space of orbiting satellites, one finds additional claims to the microwave space of telephony and media broadcasting, making even the airspace Israeli-controlled.

Tanto Boeri como Weizman y Segal tratan de comprender un proceso político, social y económico (el uso del espacio) siguiendo aproximaciones alternativas: una más próxima al arte y basada en métodos narrativos y otra más próxima a la ciencia y basada en cartografía “tradicional”. Pero, realmente interesante surge al combinar (como hace el libro y la exposición) y comparar ambos métodos de modo que ciencia y arte se convierten en aproximaciones a la descripción y compresión de la realidad. Dos métodos para un mismo objetivo. De hecho la diferencia es más formal que real; el trabajo de Boeri mantiene un “componente científico” importante mientras que Weizman y Segal utilizan “modos de expresión artísticos” en la comunicación de sus resultados.