nómada, blog de juan freire

Cervantes Virtual reinventa el hiperenlace: como hacer insufriblemente estúpido algo increíblemente simple

De las normas de enlaces de la Biblioteca Virtual Miguel de Cervantes (y temo que con sólo estos dos enlaces haya incumplido ya algunas decenas de normas):

1.- CARACTERÍSTICAS DEL HIPERENLACE

2.1.- Tipo de hiperenlace: el hiperenlace permitirá el acceso a la página de inicio de este sitio web, a la página principal de cualquiera de sus secciones, así como a cualquier obra de su fondo bibliográfico.

La autorización para insertar un hiperenlace no presupone, en ningún caso, un consentimiento para reproducir los aspectos visuales y funcionales («look and feel») de este sitio web.

Del mismo modo, se prohíbe explícitamente la creación de un entorno o barra de navegación sobre las páginas web que componen este sitio.

2.2.- Aspecto del hiperenlace: el hiperenlace podrá consistir tanto en un texto como en un gráfico.

• 1.2.1.- En el primer caso, el texto deberá expresar rotundamente que enlaza con la BIBLIOTECA VIRTUAL MIGUEL DE CERVANTES.

  La fuente utilizada será «Arial», el estilo «negrita», el tamaño de un mínimo de «12» y el color deberá tener las siguientes características: «rojo 155, verde 23, azul 26, matiz 254, saturación 189 y luminosidad 89».

• 1.2.2.- En el segundo caso, sólo se podrá utilizar el logotipo de «cervantesvirtual.com» tal y como puede encontrarse en la URL http://www.cervantesvirtual.com/marcolegal/normas_graficas.jsp.

  El logotipo de la BIBLIOTECA VIRTUAL MIGUEL DE CERVANTES, deberá estar situado a una distancia de separación de 25 píxeles con respecto a cualquier otro elemento de la página web en la que se inserte.

• 1.2.3.- Con carácter general, el aspecto, el efecto visual, la ubicación y, en general, las características del hiperenlace deberán invariablemente evidenciar que el mismo conduce al sitio web de la BIBLIOTECA VIRTUAL MIGUEL DE CERVANTES y que éste es independiente y no está unido por una relación, ni de colaboración, asociación, patrocinio, laboral ni de ningún otro tipo, a la página web que contiene el hiperenlace.

El resto de la normativa es igual o aún más sorprendente. “Por favor no enlacen mi sitio” podría ser su eslogan.

Vía Escolar.net.

"Confieso que he plagiado". Transparencia o publicidad

El debate entre copia, ¿legítima?, y plagio, ¿ilegítimo?, es un debate aburrido e inútil, propio de una concepción jerárquica de la cultura donde se lucha, en realidad, por apropiarse de la autoridad para decidir que es o no es correcto. Cada nuevo (aparente?) escándalo demuestra lo difuso del límite y lo arbitrario e interesado de la postura de muchos de los opinadores. La transparencia radical (como propone de Chris Anderson) desarma el conflicto y hace explícita la realidad de la creación de conocimiento: siempre se basa en el trabajo de otros, ya sea como inspiración, ya sea como piezas para armar nuevas obras. Los raperos ya lo han entendido y lo practican. Ahora parece que algunos escritores empiezan a descubrirlo, aunque sólo sea para obtener cierta publicidad. El autor teatral Jerónimo López Mozo practica en ABCD una transparencia radical a posteriori declarando Confieso que he plagiado:

Cada vez son más frecuentes las denuncias por plagio y, en no pocos casos, los acusados son reincidentes. Siempre se ha creído que esa práctica perseguía apropiarse de las ideas de los demás por comodidad o por suplir las carencias propias. Cuando el plagio es descubierto, su autor suele culpar al ordenador, como si ese aparato tuviera vida autónoma. Otros optan por declararse devotos de la intertextualidad y lo más que están dispuestos a admitir es que, tal vez, debieron entrecomillar los textos tomados prestados.

Pero hay quienes apuntan que algunos plagiadores lo son deliberadamente y que hacen todo lo posible para que su condición de tales salga a luz, pues el escándalo que se produce anima las ventas del libro y propicia la presencia del infractor en programas de radio y televisión. A mí, que me he pasado toda mi vida plagiando, me producía rabia que nadie lo descubriera y lo proclamara a los cuatro vientos, pues es probable que, por la vía del escándalo, mi suerte hubiera sido otra en lo que a fama se refiere.

Como no hay mal que cien años dure, al fin alguien se ha percatado de mi debilidad por apropiarme de escrituras ajenas. Ha sido John P. Gabriele, profesor de español en el College de Wooster, en Estados Unidos, y autor de numerosos ensayos sobre nuestro teatro. En un escueto correo electrónico, me ha dicho:

«Dígame si tengo razón. En la página 68 de su drama Combate de ciegos hay un texto que pertenece al capítulo X de El señor de Bembibre, de Gil y Carrasco. ¿Sí?». «¡Sí! ¡Albricias!», le he respondido, sin preguntarle cómo diablos ha sido capaz de hallar en una novela decimonónica las nueve líneas que he robado.

Tampoco él se ha interesado por los motivos de mi júbilo. En todo caso, ojalá cundiera su ejemplo. Ahora me siento más animado, aunque lamento que mi condición de plagiador se haya descubierto tarde y sin la más mínima publicidad, tan conveniente en mi caso. Pero estoy dispuesto a recuperar el tiempo perdido. Por ello, aprovecho estas líneas para ofrecer mi colaboración a quienes, amigos o enemigos, tanto da, estén dispuestos a bucear en mi teatro para encontrar las ideas, palabras y frases que he sustraído a otros. Para empezar, doy algunas pistas. Busquen en Discurso en la plaza de la Concordia, de Aub; Las tiendas de color canela, de Schulz; y Roberta esta noche, de Klossowski. Hay muchas más, de modo que el trabajo no será difícil. Lo que se dice, un caramelo.

Gold Digging: creación musical transparente y sin hipocresía

Gold Digging, editado por Harmless Recordings, es una joya musical en forma de tres cajas de CDs con recopilaciones de las “fuentes” de tres de los raperos más conocidos, Jay Z, 2Pac y Kanye West. Una joya histórica en su original y una joya renovada en las creaciones de estos raperos que, de este modo, le han proporcionado una segunda vida comercial. Estas fuentes han sido utilizadas por el hip-hop como inspiración o materia prima para sus remezclas y distorsiones, de una forma libre y bastante heterodoxa, y en esta selección es posible reconocerlas tras haber escuchado las remezclas en las que permanecían irreconocibles.

En el artículo aparecido en ABCD el 13 de Enero, Los papeles en regla del Rap, habla de Gold Digging para explicar como funciona realmente el proceso creativo, aunque tienda a ocultarse. Pero en el caso del hip-hop el uso de fuentes no es motivo de verguenza, y su declaración pública (así como de los procesos por los que se deconstruyen para convertirlos en algo radicalmente diferente) se convierte en un orgullo:

Pruebas de paternidad. Desde el siglo pasado, los procesos de realimentación del rock han servido para componer, en fases de reposo revolucionario, espléndidas canciones, pero, frente a esta mecánica reconstructiva, el hip-hop no tardó en hacer de los juegos manuales e informáticos del recortable y el autoadhesivo una caja de herramientas con la que cimentar sobre bases musicales ajenas sus fracturas melódicas.

La colección Gold Digging (Harmless Recordings) muestra ahora los originales utilizados por tres de las mayores estrellas del género -2Pac, Jay Z y Kanye West- en sendos reportajes de historia y subversión. Funkadelic, James Brown, Quincy Jones, Sly & The Family Stone, Chi-Lites, Curtis Mayfield, Etta James o Rick James documentan -aquí sin las interferencias, los saltos y las arritmias que definen al rap- los fluidos culturales que intervienen en su gestación. Entiéndanse estas antologías como pruebas de paternidad y, también, como muestra de una sintaxis en la que la violencia de la yuxtaposición prima sobre la cortesía y los manejos de la coordinación y la subordinación, cosas del rock.

A modo de árbol genealógico invertido, Gold Digging despliega ante el oyente las raíces que los productores de «hip-hop» injertaron en las ramas de los artistas que protagonizan esta singular serie de reconocimientos. Lo que en apariencia es una previsible antología de clásicos de soul, funk y rhythm & blues se transforma en un surtidor de fragmentos aislados con los que armar y ennoblecer la obra de los sucesivos artistas que recurren a su despiece: bien troceada, una misma canción, como I Got The..., de Labi Siffre, no sólo nutre a Jay-Z, sino al Wu Tang Clan o Eminem.

La sistemática descomposición y posterior aprovechamiento de determinadas partes de un original -como es el caso de la batería que suena en The Big Beat, de Billy Squier, utilizada por A Tribe Called Quest, Queen Latifa, Big Dady Kane o, entre otros, Puff Daddy- han popularizado tanto la parte sobre el todo que éste deja de ser el referente artístico para convertirse en simple chatarrería en la que localizar y adquirir piezas de recambio. Así, la deuda del celebérrimo y laureado Crazy In Love, de Beyoncé, con Are You My Woman (Tell Me So), de los Chi-Lites, es tan elevada que, en forma de sombra, eclipsa e incluso oculta la canción original de la que salieron aquellas trompetas enamoradas.

La serie Gold Digging, excepcioal documento sobre el reciclaje artístico de una generación de músicos decididos a redefinir la fascinación del «déjà vu» como instrumento creativo, cataloga lo que pudiera interpretarse como el contralegado de las estrellas del rap: las canciones de las que extrajeron, si no inspiración -cosas del rock, otra vez-, materiales nobles. Es esa herencia intacta, sin los añadidos de sus caleidoscópicas superproducciones discográficas, la que ahora exhiben sus usufructuarios.

En las últimas décadas, la obsesión por buscarle tres pies al gato de cualquier banda de rock y localizar, de oídas, sus influencias musicales -luego confesadas en colecciones como Under The Influence o Late Night Tales, antologías de pistas para confirmar sospechas y cuadrar evidencias- ha sido una constante policiaca con la que explicar el fenómeno de la apropiación camuflada e indocumentada de ecos del pasado. Con los papeles en regla, todo por escrito, el «hip-hop» incluyó desde su origen un anexo de citas cultas y precisas. Sus activistas nunca tuvieron miedo a remover un pasado que consideraron provechoso, pero, a la vez, irrepetible.

Los raperos no hacen nada distinto a otros creadores, pero en lugar de adoptar una actitud hipócrita lo explican y lo explotan. De este modo es sencillo discriminar donde termina la copia y donde empieza el plagio. Como comenta La Petite Claudine en Pero plagiar es otra cosa, a partir de la reciente polémica por el supuesto plagio realizado por Ian McEwan a Lucilla Andrews, este es un conflicto en explosión en el mundo literario que es abordado con una actitud mucho más hipócrita, corporativista y menos transparente:

A las sociedades que viven del trabajo de otros les interesa que la diferencia entre el plagio y todo lo que no lo es (homenaje, cita, remezcla, referencia, derivado, paralelismo, inspiración, etc) sean cada vez más pequeñas. Afortunadamente, llevan las de perder: un plagio es lo que pasa cuando alguien coge un trabajo que no es suyo y lo firma con su nombre, y todo lo demás es todo lo demás.

Gold Digging es un  buen ejemplo de “todo lo demás”:

Dos casos diferentes, pero iguales. Hace 27 años, Jacob Epstein copió y pegó 53 párrafos de Martin Amis en su primera novela "Wild Oats" y la firmó con su nombre. Hace un año, Ian McEwan tomó dos párrafos de las memorias de Lucilla Andrews y los añadió a su propia novela con unos ligeros retoques. McEwan incluyó una nota al final citando a Andrews como inspiración y ha reconocido su deuda con la escritora en entrevistas y lecturas públicas; Jacob Epstein no dijo nada. A pesar de las diferencias, en el tono y en la forma, los dos usaron el trabajo de otra persona y lo firmaron con su nombre. Los dos plagiaron. Y ya está.

Epstein y McEwan son culpables del mismo crimen. Sin embargo, Epstein fué excomulgado por la comunidad de escritores mientras que McEwan está siendo defendido fervientemente por un puñado de grandes firmas que incluye, irónicamente, al propio Martin Amis.

Unos tratan de vivir a costa de sus fuentes, mientras que otros viven con sus fuentes (que a su vez viven gracias a sus “copiadores” una segunda juventud).

Hemos visto lagos de metano en las lunas de Saturno

"Yo he visto cosas que vosotros no creeríais. Atacar naves en llamas más allá de Orión. He visto Rayos-C brillar en la oscuridad cerca de la Puerta de Tannhäuser. Todos esos momentos se perderán en el tiempo como lágrimas en la lluvia. Es hora de morir".

Roy Batty en Blade Runner.

… existencia de lagos de metano en Titán, la mayor luna de Saturno, a partir de las imágenes captadas por la sonda Cassini …amplias y oscuras manchas alrededor de la superficie del polo, con diámetros que oscilaban entre los 3 y los 70 kilómetros. ... unas líneas sinuosas que se dirigen hacia las manchas y que presentan la apariencia de canales fluviales ...

The lakes of Titan (Nature), Lagos de metano en Titán (El País), BBC, Jet Propulsion Laboratory de la NASA.

¿Poesía en el espacio?:

“el primer impulso poético lo descubrí gracias a las ciencias, en parte porque en ellas veía una estética que me llevaba a la emoción del poema. Comencé a darle vueltas para ver si podía relacionar esa emoción con la poesía tradicional”

Agustín Fernández Mallo, en El Cultural.

[Más imágenes aquí y en el Planetary Photojournal]

 

Los peligros de los tornillos felices

El último Babelia del año presenta Las otras voces de 2006 donde entrevistan a escritores europeos aún poco conocidos en España. Dos de ellos, no por casualidad rusos, nos alertan de las utopías colectivistas que trataron de imponer en el siglo XX la felicidad a sus ciudadanos tratados en realidad como esclavos. Los tiempos de Lenin y Stalin pueden parecer ya lejanos y sus formas de imposición un tanto burdas, además de brutales. Pero no está de más recordar la historia para entender el peligro que se puede esconder en aquellos que vuelven a pretender, de forma mucho más sutil e incluso bienintencionada, situar a lo colectivo antes que al individuo y que se declaran decididos a lograr que los ciudadanos sean felices. Por supuesto una felicidad democrática lograda por consenso, y con una validez estadística pensada para un colectivo genérico e impersonal. Para ello nada mejor que regular desde que comer o que beber hasta como nos comportarmos o que opinamos, de modo que no chirriemos en el bien engrasado motor colectivo.

Poniendo en positivo y trasladandonos a la actualidad, las ideas de estos escritores rusos nos proporcionan dos posibles y discutibles claves para nuestro bienestar. El individuo y la “familia” (entendida de modo amplio como comunidad o red social) es la única garantía para la libertad individual. La libertad individual es la única vía para la felicidad. El estado debería permitirnos, si así lo queremos, ser felices, pero no debería hacernos felices.

Liudmila Ulítskaya. Sólo la familia es capaz de defender a la persona del Estado.

En la oposición entre el individuo y el Estado, que en menor o mayor grado está presente en cualquier sistema social, defiendo al individuo, al ser humano. Sólo la familia es capaz de defender a la persona del Estado. La idea de Stalin consistía en convertir al hombre en el "tornillo de la máquina estatal". El Estado invierte todos los esfuerzos en hacer de la persona este "tornillo" y sólo la familia representa el mecanismo que mantiene la individualidad y protege del igualitarismo. Por supuesto, me refiero a una familia de verdad. Las bases éticas se fomentan en familia, es un proceso que sucede a edad muy temprana.

Andreï Makine. Todos aquellos que quieren hacernos felices son siempre criminales.

… "Las colectivizaciones destruyeron la agricultura y los campesinos. Hoy son muy pocos los que siguen viviendo allí. Hay que recordar que los koljoses, la colectivización de la tierra, supuso que quienes la cultivaban no pudieran salir del pueblo sin un visado del comisario político. Eran prisioneros y esclavos, no podían moverse y tenían que trabajar gratis. El resultado fue una brutal caída de la producción y, hoy, el despoblamiento de zonas que, en Canadá, están habitadas. Quienes descubrieron la existencia del Gulag no fueron los disidentes, sino los economistas estadounidenses. ¡El precio de las materias primas soviéticas sólo podía explicarse si una parte del trabajo para conseguirlas no era remunerado! Gorbachov, como Jruschov, pretendía que fue Stalin quien pervirtió la idea de Lenin, pero en 1918 Lenin ya habla de campos de concentración. ¡Quería nuestra felicidad! Todos aquellos que quieren hacernos felices son siempre criminales".

 

La narrativa no lineal e interactiva: un curso con Borges, Tarantino, Sterling y videojuegos

Vía Pablo Mancini descubro el curso Interactive and Non-Linear Narrative: Theory and Practice que se desarrolló en la primavera de este año en el MIT y cuyos contenidos han sido liberados en el MIT OpenCourseWare. Fue impartido por Beth Coleman del Convergence Culture Consortium y Comparative Media Studies program del MIT.

El curso explica la narrativa no lineal e interactiva (o sea, buena parte de la narrativa presente y, posiblemente, casi toda la narrativa futura) combinando a Borges con Bruce Sterling o Tarantino, e hibridando literatura, videojuegos o cine (algunos ejemplos de las fuentes de inspiración del curso en la sección de readings). Por supuesto, los alumnos aprenden las tendencias narrativas “narrando” dado que deben construir sus propias obras, lo que los obliga a entender y manejar los diferentes lenguajes y medios (desde escribir hasta grabar un video o explorar Second Life).

The contemporary understanding of communication and narrative is quickly shifting in a world where media is ubiquitous. This course explores the properties of non-linear, multi-linear, and interactive forms of narratives as they have evolved from print to digital media. The "language of new media" is the thematic used in this course to discuss contemporary and historic forms of non-linear narrative. Writers on communication culture, gaming, television, digital aesthetics, contemporary art and film, as well as synchronic narrative will be addressed. The course is structured as a theory and practice class: students will produce short papers and a final media project. The focus is to develop critical tools to analyze contemporary media as well as a minimal level of practical implementation. We will look at writers including Borges, Julian Dibbell, Steven Johnson, Friedrich Kittler, Jan Murray, Katie Salen and Eric Zimmerman, films by Quentin Tarantino and Chris Marker, and game culture platforms such as Second Life, LARPs and ARGs, and various MMOs.

La sección de assignments explica el trabajo colabortivo que deben desarrollar los alumnos y presenta diversos ejemplos de los resultados obtenidos:

• Write a non-linear narrative.
• Create a non-linear narrative using audio and/or visual material. Projects may be analogue, digital, architectural modeling, etc.
• Write a game diary. Throughout the semester students are to keep a journal of group game play or group narrative construction..
• Create a graph or chart that describes narrative structure in a video game or other non-linear format.
• Final Media Project. Throughout the semester students will work in groups (2-3) on an ongoing game, narrative construction, or other form of non-linear or interactive construction. Forums such as Second Life, WoW, or work in the Cambridge Media Center are possibilities. Student may also come up with their own form of group activity that addresses the issues relevant to the class.

Pablo Mancini se pregunta por que en Argentina no hay cursos de este tipo, y de lo mismo me lamento yo para el caso español. Aunque también aquí existen algunos proyectos en esta línea como Wikinovela, “un proyecto de creación colectiva, multilingüe y no lineal, abierto al público, y desarrollado por la facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Deusto”. Se presentó por sus coordinadores Patricia Fernández Carrelo y Santiago Pérez Isasi en el III COngreso Online del Observatorio para la Cibersociedad (La Wikinovela: un proyecto de creación hipertextual, colectiva y multilingüe en internet), y también se analiza en profundidad en WRT: Writer Response Theory (vía networked_performance).

Cartógrafos sin mapas explorando nuevos territorios: de William Gibson a Thomas Pynchon

1. No Maps for these territories

Un documental del ya lejano año 2000 sobre William Gibson. A través de una conversación que discurre dentro de una limusina que viaja desde Los Angeles a Nueva York, Gibson explora nuevos territorios que, en muchos casos, 6 años después están ya en todos los mapas. Más información sobre este documental en la wikipedia. JJ Merelo, otro explorador sin mapas, ya habló de No Maps y localizó una transcripción en Archive.org.

It all moves so quickly now. These days it all changes. Nothing stable. Nothing static. Nothing to stand on or cling to. No maps for these territories, though they are of our own creation. No myths for these countries of the mind. Accelerating constantly toward some null point of post-humanity. Accelerating constantly. No maps for these territories.

 

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2. Dream Maps

Este artículo de Liesl Schillinger en The New York Times parte del reciente, y largamente esperado, libro de Thomas Pynchon,  Against the Day, para explorar los territorios pynchonianos. Sus mapas cruzan espacio y tiempo de un modo aparentemente anárquico de modo, que finalmente, el lector se encuentra como Gibson explorando sin mapas. No en vano, a Pynchon, por su influencia sobre William Gibson, se le considera uno de los padres de la literatura cyberpunk.

Where to begin? Where to end? It’s both moot and preposterous to fix on a starting point when considering a 1,085-page novel whose setting is a “limitless terrain of queerness” and whose scores of characters include the doomed Archduke Franz Ferdinand, a dog who reads Henry James, the restless progeny of the Kieselguhr Kid and a time-traveling bisexual mathematician, not to mention giant carnivorous burrowing sand lice, straight out of “Dune,” that attack passengers of desert submarines — or, rather, subdesertine frigates. In any case, Pynchon (speaking, one presumes, through his characters) dismisses the existence of time as “really too ridiculous to consider, regardless of its status as a believed-in phenomenon,” asserting that civilization has been dead since World War I and “all history after that will belong properly to the history of hell.” He also rejects a fixed notion of place. To him, delineations of the known world are merely maps that “begin as dreams, pass through a finite life in the world, and resume as dreams again.” Let us proceed, then, like Pynchon: as we wish, without a map, and by bounding leaps.

Para aquellos con ganas de seguir explorando el universo pynchoniano, tras leerse las más de 1000 páginas de ATD, puede interesarle navegar el The Thomas Pynchon Wiki, que incluye un Against the Day Wiki.

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3. Else/Where: Mapping. New Cartographies of Networks and Territories

Este libro publicado por el Design Institute y la University of Minnesota Press ha sido editado por Janet Abrams y Peter Hall, y diseñado por Deborah Littlejohn. Es una fascinante exploración de la nueva cartografía que nos permite navegar redes, conversaciones, territorios e, incluso, las nuevas formas de hacer mapas:

… explores the ascendancy of mapping as an interdisciplinary strategy, one that connects people and places, data and organizations, and physical and virtual spaces. … Each section includes critical essays, reportage, and Q&A interviews, interspersed with a "gazetteer" of full-color images…

Mapping has emerged in the information age as a means to make the complex accessible, the hidden visible, the unmappable mappable. As we struggle to steer through the torre nt of data unleashed by the Internet, and to situate ourselves in a world in which commerce and community have been redefined in terms of networks, mapping has become a way of making sense of things.

El doble reto del open source para el arte. ¿Una doble oportunidad?

El paradigma del código abierto, nacido del mundo del software libre y, probablemente, de la tradición de las comunidades científicas, ha trascendido estos ámbitos y aparece hoy como un modelo alternativo de producción y distribución. La cultura está experimentando de formas muy diversas los conflictos y oportunidades que suponen la irrupción del open source y otros modelos relacionados, como por ejemplo las redes P2P. El arte no se mantiene al margen y afronta dos nuevos retos que “le propone” el modelo open source, en especial en todos aquellos procesos de creación artística que se han digitalizado en mayor o menor medida, mediante la introducción de las tecnologías de la información en la creación o distribución. Aunque estos desafíos son en general interpretados como nuevos problemas que amenazan la creatividad y la viabilidad económica del artista, existe una posición alternativa, que empieza a demostrar sus razones con casos empíricos, que afronta estos retos como grandes oportunidades para incrementar la creatividad artística y su rentabilidad financiera.

1. La creación artística como proceso colaborativo

Se tiende a pensar en la creación artística como un proceso absolutamente individual e intrasferible. Pero, en realidad el arte siempre ha sido un proceso colaborativo, aunque casi siempre de formas sutiles. La actividad intelectual y creativa rara vez sucede en el vacío, siempre se asienta en influencias previas más o menos directas o difusas. Hasta el momento, la visión individualista de algunas expresiones artísticas, como la literatura, ha limitado las influencias a aspectos intangibles. Los conflictos por casos de plagio literario que se suceden constantemente nos demuestran que el límite entre influencia intangible y tangible es ambiguo, y que el proceso colaborativo en la literatura se extiende más allá de la pura inspiración. No ha sido así en otras artes como la arquitectura, donde una parte de las obras históricas que hoy reconocemos como de gran valor son el resultado de intervenciones sucesivas a lo largo de siglos que construyen y reconstruyen sobre estructuras previas. Del mismo modo, la arquitectura contemporánea, aunque casi siempre identificada con sus arquitectos estrella es igualmente una actividad colaborativa en la que por ejemplo el trabajo conjunto de arquitectos e ingenieros es fundamental (como ejemplo sirva el caso de  Cecil Balmond del que se ocupó recientemente The Guardian). Otro ejemplo de creación colectiva es el cine que merecería ser estudiada en las escuelas de negocios como paradigma de gestión exitosa de grandes proyectos con fuertes restricciones de recursos. En ambos casos, cine y arquitectura, además la colaboración no ha impedido el reconocimiento individual de los creadores, uno de los problemas que se debaten en los nuevos modelos de producción cultural digital.

La copia y remezcla emergen en el mundo digital como una nueva forma creativa, o, más aún, como el desarrollo sin las barreras que impone el mundo analógico de una tradición tan antigua como el arte. El arte digital se convierte en la materia prima adecuada para la colaboración. Aunque por ahora sólo pueden ser considerados experimentos, empiezan a aparecer herramientas y “productos” colaborativos de fotografía, cine, vídeo, textos, y, sobre todo, formatos híbridos. Sólo por citar algunos ejemplos, mientras YouTube representa el modelo open source en la distribución de videos, Eyespot, constituye una nueva herramienta que permite la edición colaborativa online de videos. En paralelo, el mundo del cine ha propuesto nuevos modelos de negocio y creativos basados en el paradigma open source. De este modo, estos nuevos productos son el resultado del “trabajo de muchos” que contribuyen materiales, herramientas, ideas o simplemente críticas. Aún es pronto, pero la colaboración en entornos digitales puede suponer una gran oportunidad más que una supuesta anomalía (que algunos llegarían a interpretar como aberración) en el proceso creativo definido en ocasiones como individual y aislado.

2. El modelo de negocio del arte open source

La creación artística es en gran medida entendida (y debe serlo en un sistema capitalista) como una forma de negocio, que busca una rentabilidad en sus productos, o al menos que necesita una financiación para su desarrollo. En el caso de los proyectos artísticos open source digitales, aún asumiendo sus mayores posibilidades creativas, surge un nuevo desafío: ¿cómo obtener ingresos o apoyo económico para algo que se va a compartir o “regalar” y que, en muchos casos, no resulta en un producto con un soporte tangible?. A esas preguntas están contestando diferentes proyectos que usan el modelo open source en distintas fases del proceso de creación, financiación y/o comercialización del arte. De este modo están emergiendo una serie de ventajas que esta forma de producción puede proporcionar:

• La mayor creatividad, por la recombinación de las propuestas (ideas) y aportaciones (productos) de muchos, genera (o debería generar) mayores oportunidades de negocio.
• La oportunidad de rentabilizar “obras parciales”, como el caso de Openstudio (comentado aquí). La visión modular de la obra de arte permite la recombinación, como ya comentamos antes, y por tanto promueve la creatividad, pero al mismo tiempo ofrece la posibilidad de rentabilizar los módulos, las diferentes partes que la componen.
• La reducción de los costes de reproducción y distribución de obras digitales (que se aproxima a cero) obliga a explorar nuevos modelos de negocio, con nuevas y mayores incertidumbres (para los actores ya establecidos) pero también con mayores oportunidades para los creadores. El caso de la música es paradigmático al mostrar claramente como los “intermediarios” tradicionales pierden poder que puede se traspasa a los creadores.
• Posibilidad de utilizar a los usuarios, los antiguos espectadores o audiencia, como colaboradores, aumentando la creatividad de un modo rápido (y barato).

Paris Cinémap: banlieue. Navegaciones cinematográficas por los barrios de Paris

Paris CinéMap: la banlieue es un proyecto de gran belleza plástica y profundidad intelectual en la reflexión que propone. Surge como un trabajo de la autora(?) Lucía Jalón, de El Taller Nocturno, para la asignatura La Arquitectura de la Metrópoli en el Cine de la Escuela de Arquitectura de Madrid (ETSAM). Por todas esas razones, y muchas otras, es de esos sitios que sorprenden y apasionan al descubrir la capacidad creativa de la gente que utiliza inteligentemente la tecnología incluso con recursos limitados.

En el sitio del proyecto se organiza una colección de películas, libros, artículos, entrevistas que son utilizadas para una navegación psicogeográfica, siempre enlazada a mapas urbanos, por los paisajes de las banlieues parisinas. Se pueden visualizar imágenes y fragmentos de películas que se desarrollan en esos barrios y abordan desde múltiples puntos de vista su dinámica social y los conflictos que saltaron a la actualidad hace unos meses.Esta es la explicación de las razones del proyecto y las herramientas que utiliza:

1. A un mapa, que es una realidad bidimensional, le añadimos no sólo la dimensión espacial que le falta sino también un sentido temporal, un movimiento, unos ciudadanos que lo habiten, unas historias que le hagan respirar, una memoria que lo recorra, unas miradas que lo humanicen, unos sonidos que lo despierten. A un mapa, y a través del cine, le añadimos la ciudad. Como punto de partida para la creación de estos mapas se ha utilizado la base de datos existente en el sitio web del Forum des Images que contiene una gran cantidad de información sobre París en el cine y la página web Lieux de Tournage Cinématographique. Otras fuentes están indicadas en la web. ¿Por qué Internet? Por su alcance y por sus posibilidades expresivas para una realidad compleja como la que se quiere expresar, unir a un mapa el movimiento del cine.

2. La información tiene como base un mapa sobre el que se han situado puntos de la banlieue con relación con el cine. Cada punto está identificado por una etiqueta con su nombre. Al clickar sobre cada uno de estos puntos se abre una ficha del lugar con la foto aérea del lugar, las películas relacionadas y webs con información relacionada. Desde estas fichas podemos ir a las fichas de las películas con información sobre el argumento y datos técnicos, sitios que aparecen, fragmentos de interés de cada película y conexiones con otras películas. Estas conexiones que relacionan todas las películas indexadas entre sí permiten realizar algo así como una deriva cinematográfica entre cités, películas, épocas...

3. Las fichas de cada lugar de interés se completa con una foto aérea de detalle y una serie de enlaces con información relacionada sobre el lugar, tanto de historia, como curiosidades, noticias, artículos... Parece necesario completar y ampliar en la medida de lo posible completar la posible comprensión de los espacios tratados en los que destacan algunos de gran importancia para la arquitectura del siglo XX como la Serpentin en la Cité de Pantin o la Cité des 4000, pero sobre todo para comprender en su conjunto la idea de la banlieue y los problemas actuales a los que se enfrenta. En la página inicial se ofrecen también enlaces a los artículos tanto sobre cine como sobre la situación de la banlieue que han servido para la creación de este trabajo y que pueden resultar de enorme interés para la comprensión de la realidad descrita. Una de las ventajas de Internet es que nos permite traer las fuentes a la mano del visitante de la web, permitiendo englobar un tema tan complejo de forma mucho más completa.

Sobre la problemática de los barrios marginales franceses es también muy interesante un reciente artículo en Foreign Policy Edición Española titulado París no es el Bronx. del sociólogo francés y profesor en Berkeley Loïc Wacquant.

El Taller Nocturno es un muy interesante blog sobre arquitectura y ciudades que mezcla la preocupación social y política con el urbanismo. Además, da entrada a otros proyectos como Viviendas en Alfama, un “espacio de trabajo lisboeta”, El Paraguas Rojo, “ilustración y otros desvaríos gráficos”, o Proyectos 6/7: Gaza, una colección de referencias sobre los problemas y futuro urbano de Gaza.

Copyleft. Manual de uso

La editorial Traficantes de Sueños acaba de publicar el libro colectivo COPYLEFT Manual de uso. En el propio sitio del libro se puede descargar el pdf (o comprarlo en papel) y prometen un wiki que puede ser muy útil pensando en el carácter práctico del propio libro:

Hace ya algún tiempo, el término copyleft saltaba los márgenes del código informático y se instalaba en todos los ámbitos de la producción intelectual. Todavía relativamente desconocido, torpemente pronunciado por los no iniciados, el copyleft se ha convertido sin embargo en la bandera de un movimiento cultural y político que reúne a toda clase de creadores y trabajadores intelectuales: músicos, escritores, programadores, artistas, editores, juristas, mediactivistas y un larguísimo etcétera que amenaza con instalarse en cada rincón de la sociedad.
Este manual pretende ser una herramienta practica para que las personas que trabajan en los distintos ámbitos de la creación puedan tener unas referencias mínimas, para entender la cultura libre y el mundo copyleft.
Para que este manual no pierda su validad por el paso del tiempo, en breve pretendemos publicar la guía en formato WIKI donde poder ir revisando el manual.

Los capítulos se acogen a una licencia Creative Commons (Reconocimiento-Compartir bajo la misma licencia 2.5 España) que usa habitualmente Traficantes de Sueños. Los capítulos combinan la introducción al copyleft a través de su origen en el ámbito software libre con los manuales prácticos sobre sus usos en la mayor parte de ámbitos de la creación cultural y otros dedicados al copyleft como modo de activismo tecnopolítico (que consituyen al mismo tiempo un manual):

• Guía del software libre: Jesús M. González Barahona
• Guía del autor de música libre: musicalibre.info
• El copyleft en el ámbito de la edición: Emmanuel Rodríguez
• Arte y copyleft: Natxo Rodriguez
• Licencias libres y creación audiovisual: Maria Concepción Cagide y Nerea Fillat Oiz
• El derecho es copyleft. O la libertad de copiar las leyes: Javier de la Cueva
• Activismo copyleft. Liberar los códigos de la producción tecnopolítica: Teresa Malina Torrent
• Liberar la mente: el software libre y el fin de la cultura privativa: Eben Moglen

A algunos les resultará chocante que un libro bajo licencia CC se dedique al copyleft dado que en ocasiones ambos sistemas de licencias (y de fislosofías sobre la propiedad intelectual y derechos de autor) han entrado en debate acalorado, pero al mismo tiempo es gratificante que ambos modelos convivan y demuestren que pueden ser complementarios e incluso hacer “frente común” contra el sistema actual de copyright.

Traficantes de Sueños es un proyecto cultural, que incluye una editorial, que demuestra en la práctica la viabilidad del concepto open business, aunque ellos anteponen el activismo cultural y político a la visión empresarial de su “negocio”, pero es de esperar que ambos sean compatibles (e incluso se retroalimenten). Tal como acaba el libro:

Traficantes de Sueños no es una casa editorial, ni siquiera una editorial independiente que contempla la publicación de una colección variable de textos críticos. Es, por el contrario, un proyecto, en el sentido estricto de «apuesta», que se dirige a cartografiar las líneas constituyentes de otras formas de vida. La construcción teórica y práctica de la caja de herramientas que, con palabras propias, puede componer el ciclo de luchas de las próximas décadas.
Sin complacencias con la arcaica sacralidad del libro, sin concesiones con el narcisismo literario, sin lealtad alguna a los usurpadores del saber, TdS adopta sin ambages la libertad de acceso al conocimiento. Queda, por tanto, permitida y abierta la reproducción total o parcial de los textos publicados, en cualquier formato imaginable, salvo por explícita voluntad del autor o de la autora y sólo en el caso de las ediciones con ánimo de lucro.

Omnia sunt communia!

Vía David Bravo.